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The Artist – Frankreich 2011
3.5 out of 5 stars

Der Stummfilmstar Georg Valentin sieht sich durch den anbrechenden Wechsel zum Tonfilm in der Defensive. Trotzig behauptet er Ton wäre nur eine Phase und nur der Stummfilm habe Zukufunt, doch schon bald sieht er sich vor dem Karriereknick. Hollywood braucht neue Stars für die Tonfilm-Ära und während Georgs Stern sinkt, wird die ehemalige Nebendarstellerin Peppy Miller zur umjubelten Ikone.

Heutzutage mit großen Aufwand einen Stummfilm zu drehen, kann nur zum grandiosen Erfolg oder totalen Flop werden möchte man meinen. Der letzte der dieses Experiment im großen Stil wagte war Mel Brooks mit seinem “Silent Movie” und auch das ist mittlerweile wieder fast 40 Jahre her. Die Zeit war also reif für eine weitere Hommage an die Zeit in der große Gestik und Mimik das gesprochene Wort ersetzten. Und Regisseur Michel Hazanavicius gibt sich alle Mühe den Look und Gefühl der alten Zeit wieder zu beleben. Wo Brooks einfach den Ton wegließ aber ansonsten einen relativ modernen Streifen drehte, setzt The Artist auf die totale Imitation – zumindest an der Oberfläche. Denn so Meta wie die Story, so doppelbödig ist auch das stumme und geräuschlose Spiel, dass immer mit dem Wissen spielt, dass der Verzicht ein bewusster und kein erzwungener ist. Wir könnten Ton haben, aber wir nutzen ihn bewusst nicht – was die wenigen Stellen an denen Geräusche und Sprache vorkommen umso effektvoller macht.

Der Score, der eine Mischung aus Neukompositionen und Zitaten ist (u.a. auch Hitchcocks-Soundtracks) passt dabei ziemlich perfekt und treibt die Handlung auch dann vorran, wenn sich das Grundgimmick der Handlung ein wenig abgenutzt hat. Denn auch wenn er viel Spaß macht ist The Artist nicht ohne Längen und die Vorhersehbarkeit der Story sorgt im Mittelteil dann schon für eine oder andere gedehnte Minute. Dennoch macht der Film insgesamt Spaß, was sicher auch an der wunderbaren Besetzung bis in die Nebenrollen (John Goodman, Malcolm McDowall) liegt, die sich mit angemessenem Enthusiasmus in das liebenswerte Oberacting werfen und – wie im Falle des Hautdarstellers Jean Dujardin – wirklich meisterlich den naiven Charme früher Stummfilmheroen kanalisieren.

Das Experiment ist gelungen und ist als Hommage und gleichzeitig Abschied vom Stummfilm zu verstehen, denn so wie sich Georg Valentin dem Fortschritt anpassen muss und am Ende im Tonfilm ankommt, so weiß auch The Artist dass diese Art von Film nur alle paar Jahre als selbstrefentielle Metafilm funktioniert, den die Zuschauer eher wegen seiner ungewöhnlichen Machart lieben, als das sie tatsächlich emotional mit den Figuren mitfiebern. The Artist 2 wird sicherlich nicht funktionieren, aber The Artist sollte sich kein Filmfan entgehen lassen.

Drive – USA 2011
3.5 out of 5 stars

Der namenlose Stuntfahrer, der von allen nur Driver genannt wird, verdient sich ab und zu etwas als angemieteter Fluchtwagenfahrer hinzu. Seine Jobs erledigt er kalt und präzise, zwischenmenschliche Beziehungen sind fast nicht vorhanden. Das ändert sich, als er sich in die junge Mutter Irene verliebt und sich mit ihr anfreundet. Doch Irene ist verheiratet und als ihr Mann Standard aus dem Knast entlassen wird, ringt sich Driver durch ihm bei einem Überfall zu helfen, damit er das Schutzgeld, dass er ein paar Gangstern schuldet zurückzahlen kann und Irene und ihr Sohn sicher sind…

Drive sieht wahnsinnig gut aus. Jedes Bild ist scheinbar konzipiert um als Poster ausgekoppelt zu werden. Jede Szene ist Style, Eleganz und perfektes Spiel von Licht und Schatten. Ryan Gosling der den ganzen Film mit einem Zahnstocher im Mund herumrennt, bzw. fährt wird als fleischgewordene Coolness inszeniert, die im Neonlook der 80er durch diesen modernen Noir-Film juckelt. Wer allerdings mehr als Style und Coolness erwartet, dürfte streckenweise seine Probleme mit dem Film haben, denn diese “The Driver”-Paraphrase fährt trotz des Titels über weite Strecken mit angezogener Handbremse. Nicolas Winding Refn schwelgt in minutenlangen Szenen die Gosling beim stoischen Starren, stoischen Herumfahren zeigen und bedient sich bisweilen derart exzessiver Zeitlupen, dass das Bild schon mal kurz vor der völligen Starre zu stehen scheint. Der ominös brummende Soundtrack suggeriert zwar, das wäre alles sehr wichtig und artsy, verhindert aber nicht völlig, dass es stellenweise auch schon mal extrem langweilig wird.

Was schade ist, denn Drive verspricht gerade zu Beginn einiges, der initiale Heist ist gekonnt und spannend inszeniert und auch einige der Nebenfiguren wie Albert Brooks jovial-sadistischer Gangster Bernie oder Ron Perlmans Nino bergen mehr Potential, als letztlich genutzt wird. Denn ähnlich wie ein Macho-Poser der vor lauter Männlichkeit kaum gerade gehen kann und der fürchtet er könne als Weichei gelten, wenn er redet oder lacht – so macht auch Drive oft den Eindruck vor lauter Coolness nicht aus dem Quark zu kommen. Während Tom Ford in “A Single Man” die steife Stilisierung der Bilder zu Kunstwerken nutzte um (wenn auch nicht immer subtil) etwas über seine Figuren auszusagen und einen Blick in ihr Innenleben zuzulassen, scheint Refn sich mit der Pose zufrieden zu geben. Was spätestens dann etwas ärgerlich wird, wenn unnötig brutale, ja durchaus sadistische Gewaltszenen als Schockeffekt ausgespielt werden, ohne sie je zu reflektieren oder sie in den Kontext der Person Drivers zu setzen. So wirken sie als pubertäre Provokation, als unnötige Ergänzung der “Look, Momma! It’s art!”-Stylespielereien des behäbigen Rests.

Gosling schaut den gesamten Film entweder milde-amüsiert oder stoisch unnahbar und bleibt Ikone, bleibt Abziehbild des harten, wortkargen Loners der tief drinnen wohl irgendwo ein Herz haben muss. Abseits der Pose ist er wenig interessant und verblasst, denn selbst Oscar Isaac (der kaum 20min im Film mitspielt) hinterlässt als Irenes Mann einen nachhaltigeren, vielschichtigeren und menschlicheren Eindruck. Carey Muligan als Irene ist gewohnt gut, bleibt aber wie Gosling in den Fesseln der unterschriebenen Rolle hängen – die die Beziehung der beiden stets mehr als Plotdevice, denn nachvollziehbare Entwicklung behandelt.

Am Ende bleibt Drive doch ein erstaunlich leerer Film, der zwar Tropen des Genres gekonnt beherrscht sich aber letztlich doch mit dem Zitat zufrieden gibt ohne den Anspruch der Eigenständigkeit, aber auch ohne den Mash-Up-Ansatz den Tarantino und seine Epigonen verfolgen. Die Humorlosigkeit von Drive mag zwar in einer Welt der Permaironie ganz erfrischend gedacht sein, täuscht aber auf die volle Spieldauer nicht darüber hinweg, dass doch entsetzlich wenig passiert und diese Rächergeschichte abgewetzter ist als die Besetzungscouch von Michael Bay. Der Driver ist cool, er kann cool rumstehen, cool Köpfe zu Brei treten und cool in blutbesudelter Jacke herum rennen – was er nicht schafft ist, dass ich mich für ihn je so interessiere wie ich es für Steve McQueen oder Clint Eastwood je getan habe.

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YouTube Muppet Interview

Manchmal lohnt es sich eben doch seine Kindheitshelden zu treffen. Das Witzige ist, dass man zu keiner Zeit das Gefühl hat mit Puppen zu reden, selbst wenn die Puppeteers direkt vor einem auf dem Boden hocken und einen beim Reinkommen begrüßen. Sobald das Interview losgeht schaut man nur noch auf Kermit, Piggy und Walter.

Mit Bobin haben wir heute übrigens noch einen Filmcheck gedreht, der nächste Woche veröffentlicht wird. Er hat wirklich genauso den Filmgeschmack, den man sich vom Regisseur des Muppet-Films und Flight of the Conchords wünscht :)

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Originaltitel: The Muppets
Herstellungsland: USA 2011
Regie: James Bobin
Buch: Jason Segel & Nicholas Stoller
Darsteller: Kermit, Miss Piggy, Fozzy, Rowlf, Walter, Jason Segel, Amy Adams, The Animal, Scooter, Gonzo, Chris Cooper
4 out of 5 stars

Die beste Zeit liegt lange hinter ihnen. Die Muppets sind vergessen und in alle Winde zerstreut. Ihr altes Theater soll an den reichen Geschäftsmann Tex Richman (Chris Cooper) verkauft werden, der darunter nach Öl bohren will. Doch die beiden Muppet-Fans Walter (Walter) und sein Bruder (Jason Segel) sowie dessen Freundin (Amy Adams) alarmieren Kermit um die alte Gang nochmal zusammenzutrommeln und ein Muppet-Spendenspecial zu produzieren, damit das Theater gerettet werden kann.

Was habe ich mich auf diesen Film gefreut. Ich liebe die Muppets seit ich die erste Folge irgendwann Anfang der 80er Jahre im ZDF gesehen habe (oder vielleicht sogar schon seit Peter Alexander sie in einer seiner Shows zu Gast hatte, die ich als kleines Kind immer bei meiner Oma geguckt habe). Die Muppets sind klasse und das nicht nur aus nostalgischen Gründen: Sie sind quintessential Puppets (auch wenn man sie nie als Puppen bezeichnen sollte) – sie waren der Beweis dass es nur geniale Pupeteers braucht um auch ohne große Special Effects lebendige, liebenswerte, witzige und skurrile Charaktere zu kreieren. Im Gegensatz zu blöden Bauchredner-Puppen, Kasperletheater oder den üblichen steifen Figuren die das Kinderprogramm bevölkerten waren die Muppets immer lebendig. Sie waren eben nie Puppen, sie waren People. Ohne sie gäbe es weder die Feebles von Peter Jackson noch die geniale Avenue Q-Show (bei der übrigens etliche Henson-Pupeteers mitwirkten). Kermit, Piggy, Waldorf und Stattler, Sweetums, Schweine im Weltall und der schwedische Koch sind Teil meiner Kindheits-DNA und wie ich bei neuerlicher Sichtung der alten Shows und Filme im vergangenen Frühjahr feststellte: Ich liebe sie noch immer.

Das konnten selbst die schlechten Filme wie Muppets from Space, The Muppet Wizard of Oz, die eher mässig witzige Neuauflage Muppet Tonight oder die öligen TV-Weihnachts-Specials nicht ändern. Denn die Handlung des Films ist nicht so weit von der Realität entfernt, für über 10 Jahre waren die Muppets nicht mehr wirklich präsent oder gar wirklich relevant. Zum Glück haben sie sich langsam wieder emporgearbeitet, zuerst mit kleinen Nischen-Produktionen für diverse Websites, dann mit einem eigenen YouTube-Kanal für den sie originäre Videos wie das wunderbare Bohemian Rhapsody produzierten und nicht zuletzt mit der wirklich gelungenen Parodie-Werbekampagne die dem neuen Film vorausging, den dutzenden Auftritten in TV-Shows die eines deutlich machten: Sie sind wieder da!

Und wenn dies auch manchen als PR-Overkill vorkommen mag, so ist es doch bitter notwendig, denn dort in der Welt lebt eine ganze Generation von Kids die nicht wirklich wissen wie großartig die Muppets sind und die sich wahrscheinlich fragen warum ein alter Furz wie ich sich so darüber freut, wenn er eine Sockenpuppe mit Pingpong-Ball-Augen interviewen darf.

Das hat Gründe, denn Jason Segel und Regisseur James Bobin haben es wirklich geschafft eine absolut gelungenen Film abzuliefern, aus dem gerade Muppet-Fans mit einem dicken Grinsen herauskommen werden und “Lifes a happy song” vor sich hinsummen werden. Hatte ich nach den ersten Informationen noch gefürchtet das Ganze könnte eine Star-Vehikel werden in dem die Muppets als Sidekicks für das Liebespaar Segel/Adams fungieren darf, stellte sich das nach wenigen Minuten als unbegründet heraus. The Muppets ist ein lupenreiner Muppet-Film, in dem die menschlichen Figuren bestenfalls Nebenrollen und Cameo-Auftritte haben.

Segel ist – und das nimmt man ihm absolut ab, wenn man sieht mit welch diebischer Freude er in Interwies mit seinem Co-Star Walter herumblödelt – ein Muppet-Fan dem viel daran lag der Muppet-Show und den ersten Filmen Respekt zu erweisen und gleichzeitig eine Geschichte zu erzählen, die die Muppets dort abholt wo sie heute sind. Sie in den mittelpunkt zurücken anstatt ein weiteres Mal eine klassische Story mit Muppets zu besetzen, wie das bei Wizard of Oz und Treasure Island der Fall war.

Natürlich ist die Handlung im Grunde nicht sehr originell und bedient sich großzügig bei Blues Brothers und ähnlichen Streifen (ein frühes Poster hatte sogar den Spruch “We’re getting the band back together”) doch das ist ganze so selbstironisch, liebenswert und augenzwinkernd umgesetzt, dass der Weg tatsächlich wichtiger ist als das Ziel. Für Fans ist es eine wahre Freude zu sehen, wieviele Referenzen es an die alte Show und besonders den ersten Film gibt, auch wenn dieser im Direktvergleich tatsächlich immer noch etwas gewaltiger wirkt, was Aufwand und Scope angeht. Ohne neue Zuschauer vor den Kopf zu stossen, werden dutzende kleine Anspielungen auf Muppet-Standards und frührere Ereignisse eingebaut, zusammen mit kleinen Seitenhieben auf die zynischeren, moderneren Epigonen, die in Form der Moopets die dunkle Gegenseite der Muppets darstellen. Denn so schön zynischer Witz und abgeklärter Sarkasmus auch oft sind, die herzliche Naivität und Offenheit, der kindliche Anarchismus der Muppets ist es der letztlich anrührt und sie als vollwertige Charaktere glaubhaft macht.

Das der Film die Muppets selbst auf ein Podest stellt kann man natürlich kritisieren, genau wie die im Grunde eher überflüssige und kaum ausgearbeitete Figur von Amy Adams mit der weder Drehbuch noch Regie wirklich viel anzufangen weiß und deren dramaturgischer Bogen mehr als einmal ziemlich holpert. Und auch dass ein sehr mutiger Gag im Finale (SPOILER SPOILER SPOILER *************) nämlich dass der Telethon nichtmal annähernd genug Geld eingebracht hat und die Muppets tatsächlich nochmal ganz unten anfangen müssen (SPOILER SPOILER SPOILER ENDE **********) dann um des Happy-End-Finales mal eben für null und nichtig erklärt wird und sich doch alle Probleme in Wohlgefallen auflösen: Natürlich ist das ein bißchen schade. Aber dann im Grunde auch nicht so wichtig, wenn man mit einem fröhlichen MahNaMahNa aus dem Kino entlassen wird.

Ist der Film genauso gut wie The Muppet Movie? Vielleicht nicht. Ist es der beste Muppet-Film seit “A Muppet Christmas Carol” – ganz eindeutig. Der “Flight of the Conchords”-Regisseur Bobins inszeniert nicht immer in großen Kinobildern, aber fängt viele Details ein und hat ein sehr sicheres Händchen für Gags und Timing und die schwungvollen und wirklich eingängigen Songs von Flight of the Conchords-Mitglied Bret McKenzie treffen genau den richtigen Ton zwischen warmherzigen Spaß und ironischer Verspieltheit. Sie fügen sich nahtlos ein in die recycelten Klassiker wie Rainbow Connection, die im Film ebenfalls zitiert werden und helfen in ihrer optischen Umsetzung die Story des Films zu bereichern. Ob Kermit alleine durch seine runtergekommene Villa streift und über die alten Freunde sinniert oder sich Jason Segel singend fragt ob er ein Mensch oder ein Muppet ist – die Musik bereichert den Film ohne ihn auszubremsen.

Als kleine Beckmesserei könnte ich erwähnen, dass Piggy etwas sehr zahm geworden ist und sich Kermit etwas zu willig wieder an den Hals wirft, aber vielleicht ist die alte Sau auch im Laufe der Jahre nur etwas altersmilde geworden (wobei sie in einigen Internetvideos immer noch zeigt, dass sie ordentlich zuschlagen kann). Das die Menschen sich, egal wie berühmt sie sind, als Stichwortgeber und dekorative Sidegags begnügen müssen und Zack Galifianakis ein wenig verschwendet wirklich, während sich Selina Gomez überraschend treffend selbst verarscht (Ich bin nur hier weil mein Agent mir das gesagt hat) – auch das gehört zu einem Muppet-Film. Nicht umsonst war in Teil 1 Schwergewicht Orson Wells in einer Minirolle zu sehen und auch diesmal sind die Stars eher Fan-Support als wirklich wichtig. Wichtig ist nur eines: Das Muppet-Gefühl stimmt. Dieser Film ist im besten Sinne altmodisch und versucht nie sich beim modernen Kino anzubiedern, er setzt darauf dass Kermit und Co. auch heute noch ihre Muppet-Magic entfalten und das Publikum verzaubern können. Ohne CGI-Overkill, Fäkalwitze und all die anderen Standards heutiger Erfolgsfilme. Und genau deswegen ist er auch so sympathisch.

Seht euch den Film an. Und dann holt euch die DVDs mit dem alten Muppet-Movie und die Shows. Und denkt dran: Life’s a happy song…

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Holmes und Watson sind wieder im Einsatz, diesmal gegen den Erzfeind Moriarty, der ein Politkomplott inszeniert, dass den Detektiv auf eine Jagd quer durch Europa treibt.

Als Holmes-Film immer noch nicht wirklich der Burner, ist der Film nichtsdestotrotz eine gewaltige Steigerung gegenüber dem Vorgänger. Statt peinlichen Green-Screen-Turnereien vor Renderkulisse sind Downey Jr. und Law diesmal meist in realer oder bestenfalls digital gepimpter Kulisse zu sehen. Der Scope ist dank Europa-Reise wesentlich größer und dank den gut aufgelegten Darstellern, die das Ermittler-Duo diesmal noch mehr an der Grenze zur Homo-Travestie spielen, macht das Ganze meist auch Spaß.

Weniger gut weg kommen die Nebendarsteller, denn außer Stephen Fry und Jared Harris als Moriarty ist keine Figur mehr als Raumdeko. Insbesondere die Zigeunerin Simsa in Form von Noomi Rapace ist sträflich verschwendet. Dazu kommt der arg holperige Plot, bei dem auch aufmerksame Zuschauer Probleme haben werden zu verstehen was jetzt genau warum passiert – zumindest bis Holmes seine Basil-Exposition-Szenen hat.

Die Anflüge moralischer Philosophie über das Wesen des Menschen, die Moriarty am Ende anbringt sind leider auch nur wenig ausgearbeitet und hingeworgen, ja beschädigen das Mastermind in seiner Brillanz sogar etwas, da sie alle seine Bemühungen ad absurdum führen.

Holmes selber bleibt als Konstrukt schwierig, seine Intelligenz wird angedeutet, doch beschränkt sie sich weniger auf kühle Deduktion, als auf MacGyverhafte Improvisation, die weniger Ermittlungsarbeit ist, als Mission Impossible im Schnelldurchlauf. Das der Film wichtige Informationen zurückhält und verschleiert damit Holmes am Ende ein Auflösung aus dem Allerwertesten ziehen darf ist dann bisweilen schon etwas anstrengend, genau wie die im Grunde stylishen Zeitlupe/Speedup-Szenen – die bisweilen so ausgewalzt sind, dass sie zum Selbstzweck verkommen und eher Ablenken als die Story vorranbringen.

Das Holmes-Finale an den Reichenbach-Fällen dann so dramatisch inszeniert wird, als gäbe es tatsächlich etwas zu verlieren und der Epilog dann auch nochmal ewig weitergeht, ist dann, bei allen gelungenen Gags am Ende doch auch etwas überflüssig, denn wie Conan Doyle diktiert auch den Filmemachern der Kommerz – und der kann besteht darauf das es weitergeht…

Sehenswert, nichtsdestotrotz und viel besser als Teil 1 bewegt sich Guy Ritchie in die richtige Richtung, auch wenn sein Holmes-goes-Bourne-Konzept mich wohl nie wirklich überzeugen wird.

Jonas – Deutschland 2012
3.5 out of 5 stars

Christian Ulmen geht in der Figur des 18jr Sitzenbleibers Jonas zurück an die Schule.

Der Versuch eine Dokumentation mit einer Kunstfigur zu machen ist erstaunlicherweise in weiten Teilen gelungen, denn auch wenn viele der Schüler wussten das Jonas eben kein echter Schüler ist, entstehen aus der Situation heraus viele wahrhaftige Momente. Ulmen nimmt sich mehr zurück als in “Mein neuer Freund” – sein Jonas ist zwar immer noch streckenweise anstrengend und vorlaut, aber lange nicht so penetrant wie seine bisherigen Kunstfiguren, mit denen er es hauptsächlich auf Provokation angelegt hatte.

Hier wird oft nur beobachtet und genau die Momente in denen die Kamera einfach nur hinschaut und die Klassendynamik erfasst, die Reaktion der Schüler auf die Lehrer oder auf Jonas, sind die Momente die einen in die eigene Schulzeit zurückversetzen und deutlich machen, wie wenig sich tatsächlich ändert. An der Tafel zu stehen und vom Lehrer blossgestellt zu werden, sich auf dem Pausenhof Geld borgen für etwas zu essen. Diskussionen um Sinn und Unsinn von Unterrichtsstoff oder die Benotung – hier erfasst der Film in kleinen Vignetten das Gefühl des Schülerseins wunderbar und auch Ulmen wirkt hier glaubwürdig, wenn er sich versucht einzufügen, abzugucken oder aus unangenehmen Situationen herauszureden.

Die Momente die manchmal etwas angestrengt sind, auch wenn sie nicht völlig daneben gehen, sind die inszenierten Dinge, vor allem Jonas Verliebtsein in seine Musiklehrerin – ein offensichtlich geplanter Handlungsstrang, der nie so ganz glaubhaft wirkt und lediglich durch die Reaktionen der Lehrerin und des Rektors ein wenig Leben bekommt.

Es bleibt trotzdem ein sehenswertes halbdokumentarisches Experiment, dass überraschenderweise auch auf Filmlänge unterhält und durch die gelungene Musikauswahl überzeugen kann.

Darkest Hour -USA/Russland 2011
3 out of 5 stars

Eigentlich wollen die zwei US-Startup-Nerds in Moskau nur ein paar Investoren klar machen, als plötzlich die Apokalypse losgeht. Elektroaliens greifen die Erde an und der Kampf ums überleben beginnt…

Okay die Story ist etwas doof und man sieht dem Film an, dass er nicht eben superteuer war. Aber als harmloser SciFi-Trash macht der Streifen durchaus Spaß und bietet mit Moskau eine Spektakeltechnisch noch recht unverbrauchte Kulisse.
Das die Figuren allesamt aus der Holzschnittkiste kommen und auch ein Emile Hirsch jetzt schauspielerisch eher auf Sparflamme spielt (aber immerhin mal einen proaktiven Charakter geben darf, was ihn von seinen sonstigen Rollen doch unterscheidet), sei geschenkt, denn im Rahmen seiner Parameter ist das Elektroalien-Inferno doch irgendwie putzig anzusehen. “Welcome to Russia” dürfte wohl die am meisten strapazierte Catchphrase sein und wenn die Cybernerds gegen die Kollegen vom ID-Monster antreten fliegen ordentlich die Funken. Wer Skyline gehasst hat, wird wahrscheinlich auch mit der diesjährigen lowbudget Alien-Invasion nicht warm werden, aber allen Freunden naiven Trashs sei der Film durchaus empfohlen.

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Ich geh nochmal Andy Warhols Dracula gucken.

[via: Rochus]

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Originaltitel: Mission: Impossible – Ghost Protocol
Herstellungsland: USA 2011
Regie: Brad Bird
Buch: Josh Appelbaum / André Nemec
Darsteller: Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg, Paula Patton, Ving Rhames
4 out of 5 stars

Ethan Hunt wird mit einem zufälligen Team zusammengewürfelt, nachdem ein Terrorist den Kremel sprengt und ihm die Schuld dafür zuschiebt. Der Plan: Einen weltweiten Atomkrieg auszulösen. Auf eigene Faust müssen Hunt und seine Leute den Terroristen stoppen, ehe er den letzten Teil seines Plans in die Tat umsetzen kann…

Fourth Time is the charme… zumindest in diesem Fall. Ich war nie ein Fan der MI-Reihe, nicht unbedingt Tom Cruise wegen, obwohl er sicherlich seinen Anteil daran hatte. Als jemand der mit “Kobra, übernehmen sie?” bzw. “Unmöglicher Auftrag” aufwuchs, störte mich schlicht und einfach immer die Fokussierung auf einen übermächtigen Helden der die Chose im wesentlichen im Alleingang meistert. Mission Impossible im Film war immer mehr Ego-Show, als Team-Heist. Dass der erste Teil Jim Phelps zu einem Schurken machte, war ebenso respektlos wie unnötig. Teil 2 bot schicke Bilder, war aber dank Studioeinmischung nur ein konfuser Rumpf-Film und JJ Abrams Teil 3 sah leider aus wie ein Fernsehfilm, mit faden Bildern und einem käsigen Showdown der aus einer Rangelei in einem Lagerhaus bestand, bei der der Schurke am Ende vors Auto stolperte. Nee, auch wenn ich weiß das die Filme ihre Fans haben, mich haben sie nie wirklich umgehauen.

Insofern war die Begeisterung für den anstehenden vierten Teil eher verhalten, bestenfalls Regisseur Brad Bird und die neuerliche Mitwirkung von Simon Pegg sorgten für mildes Interesse. Umso angenehmer die Überraschung, dass dieser Film sich stimmungsmässig, als auch vom Spektakelwert deutlich von den Vorgängern abhebt. Optisch war bestenfalls John Woos zweiter Teil in einer Liga mit “Ghost Protocol” – denn hier gibt es auch abseits des fulminanten Dubai-Tower Heists, der im Imax-Format gedreht wurde und tatsächlich ziemlich großartig aussieht und getimed ist, sehr sehenswerte Action-Momente. Vom Hudson-Hawk paraphrasierenden Gefängnisausbruch der treffend-böse mit “Ain’t that a kick in the head” unterlegt wird, zum Kremel-Einbruch (bei dem besonders Simon Peggs Benji samt seinen Gadgets glänzen kann), eine Verfolgungsjagd im Sandsturm bis zum großem Finale in einer hochmodernen Parkgarage – immer bietet der Film Scope, sehenswerte Stunts und nimmt sich dabei nie so ganz ernst.

Klar gibts eine dunkel Vergangenheit für Ethan Hunt, weil die beiden jungen Drehbuchautoren ja irgendwie seine Frau aus dem Weg räumen mussten, die sonst nur unnütz rumgestanden hätte. Aber selbst die emotionalen Momente werden eher als popcorndrama zur spannungsförderung, denn als tränendrüsiger Gefühlskitsch inszeniert. Und endlich, endlich geht es im Film mal um das MI-Team. Ethans Mitstreiter Pegg, Paula Patton und Jeremy Renner sind wirklich gleichberechtigte Figuren und nicht nur Stichwortgeber für Mr. Obercool. Die Chemie zwischen ihnen, die einfallsreichen Gadgets (die nie so funktionieren wie sie es eigentlich sollten), die ironischen Verweise auf die Mainstayes der Serie (wie etwa die nicht funktionierende Selbstzerstörung der Auftragsbitschaft) – das alles sorgt für sehenswerte, fluffige und stellenweise extrem spannende Kinounterhaltung.

Brad Bird der schon mit The Incredibles und Iron Giant gezeigt hat, dass er wirklich rasante Action inszenieren kann, verlässt sich auch in MI4 auf seine Instinkte und bringt eine gewisse Pixar-Leichtigkeit in die Serie, die eher den überkandidelten Bond-Filmen der 70er und 90er nacheifert, als den zu Tode gerittenen “grittigen” und “realistischen” Bourne-Epigonen die seit Jahren mit Wackelkamera und Action-Szenen die nur aus Nahaufnahmen bestehen, die Multiplexe traktieren. Der Bösewicht in Ghost Protocol ist ein gutes altes größenwahnsinniges Genie, der bewusst jenseits aktueller politischer Bezüge verortet wird (auch wenn das sicherlich mit dem Wunsch nach weltweiter Vermarktbarkeit zusammenhängt). Wichtig ist nicht seine Agenda, sondern seine Aktionen und die Reaktionen des MI-Teams, die ebenso humorvoll wie suspensevoll ablaufen.

Cruise, dem man sein Alter in den Nahaufnahmen mittlerweile doch ansieht, nimmt sich bis auf den etwas unnötigen Epilog, sehr zurück, kokettiert mit der eigenen Verwundbarkeit und Angst, was ihn doch sympathischer macht als gewöhnlich. Pegg nutzt seine ausgebaute Rolle und liefert einige der besten Punchlines die er mit gewohntem Understatement platziert, Jeremy Renner ist ebenfalls ungewohnt linkisch und zeigt dass er auch mit komödiantischen Momenten umgehen kann und Paula Patton wirkt zwar wie ein Platzhalter für Angelina Jolie, macht ihre Sache dabei aber durchaus ordentlich, auch wenn ihr emotionaler Arc am holprigsten erzählt ist und auf halber Strecke im Nichts endet.

Als unbeschwertes Actionkino mit wenig Tiefe aber hohem Spaßfaktor funktioniert der Film in jeden Fall – und dürfte der erste Eintrag in die Reihe sein, bei der ich mich tatsächlich über eine weitere Fortsetzung freuen würde.

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Der gestiefelte Kater – USA 2011
3.5 out of 5 stars

Puss ist ein gesuchter Verbrecher, seit er von seinem eierförmigen Stiefbruder Humpty Dumpty einst reingelegt wurde. Jetzt müssen sich beide wieder zusammenraufen um dem Gannovenpaar Jack & Jill ihren größten Schatz abzujagen: Die Zauberbohnen die den Aufstieg ins Schloss mit der goldenen Gans ermöglichen…

Überraschend kurzweilig und optisch wesentlich inspirierter als die letzten beiden Shrek-Filme lebt der Film hauptsächlich vom Charme des Antonio Banderas, auf dessen Zorro und Desperado-Erbe hier genüsslich abgehoben wird. Seine Figur, ob als kleines Kätzchen oder abgeklärter Draufgänger, funktioniert auch alleine genauso gut, ja vielleicht sogar noch besser, als in der Funktion des komischen Sidekicks. Banderas bringt Gravitas mit, die es erst möglich macht ihn im einen Moment als Ikone der Coolness zu sehen, nur um im nächsten zu lachen, wenn er sich selbst genüsslich zum Trottel macht.

Mit Salma Hayek und Zack Galifiankis hat er stimmlich ebenbürtige, vielschichtige Figuren zur Seite die den Film zwar nicht nachhaltig beeindruckend machen, aber solide Abenteuerkost liefern. Zusammen mit der wirklich sehenswerten Szenerie, die näher am Italo-Western und Rango als an der knuddeligen Märchenwelt ist, entfaltet Puss in Boots auch optisch Qualitäten die gerade dem lustlos zusammengerenderten vierten Shrek-Teil deutlich abgingen. Hier spürt man: Die Macher hatten wieder Spaß am Thema und Lust diese Geschichte zu erzählen.

Und endlich wird auch im Shrek-Universum wieder mehr Wert auf, zwar abgedrehte aber treibende Storyelemente gelegt, anstatt sich träge von einer Popkulturreferenz zur anderen zu hangeln. Klar ganz ohne die und ohne Popsong-Tanznummern gehts bei Dreamworks natürlich nicht, aber der von Guillermo del Toro mitproduzierte Film wirkt ambitionierter und origineller, als man es diesem Spin-Off zugetraut hätte. Natürlich verschenkt er einiges Potential der “Jack and the Beanstalk”-Story – nicht zuletzt den Riesen und dessen Welt, die soviel Potential hätte, hier aber nur für einen Kurztrip gestreift wird. Das ist schade, tut dem ansonsten knuffigen Feelgood-Film aber keinen Abbruch. Und verdammt, Katzen sind einfach niedlich…

Shark Night 3D – USA 2011
1 out of 5 stars

Teenager.Salzsee. Rednecks. Haie. Kreisch.

Hai-Alarm auf Mallorca ist nicht mehr der schlechteste Hai-Film aller Zeiten. Dieses Prädikat macht ihm der ebenso einfallslose sowie Blut- und Spannungslose Shark Night 3D vehement streitig. Jeder Asylum-Heuler hat mehr Unterhaltungswert als David R. Ellis absolut ambitionslos heruntergekurbelte und in jedem Moment billig aussehende Dumpf-Twens gegen Hillbillys mit 3 Haiszenen-Produktion, bei der die größte Frage nicht ist wie man es 11 Jahre nach Deep Blue Sea hinbekommt Hai zu rendern die lausiger und alberner aussehen als die aus Harlins-Heuler, sondern wie es dieser Mist tatsächlich ins Kino geschafft hat, anstatt in einer Grabbelkiste von fünftklassigen Direct-to-DVD-Releases verdient zu vergammeln.

Ich hab ja wirklich eine hohe Toleranz für Trash und kann selbst billigen Riesenspinnenheulern im Nachtprogramm oft noch etwas abgewinnen, aber Shark Night 3D ist einfach nur ärgerliche, zuschauerverachtende Kacke, dass er weder als Trash noch als Guilty Pleasure irgendetwas anzubieten hat.

Die Schauspieler liegen deutlich unter dem Niveau einer Amateur-Soap im Offenen Kanal, die Synchronisation klingt als würden die Darsteller sonst Erwachsenen-Unterhaltung oder Teleshop-Specials sprechen, die Dialoge sind so grauenhaft, dass sie nicht mal mehr witzig sind und die Handlung, wenn man das ganze so nennen mag lässt wirklich so manche Sci-Fi-Channel Eigenproduktion noch innovativ und originell erscheinen.

Wo die sicher auch diskussionswürdigen Piranhas wenigstens konsequent auf Tits, Ass, Gore und Silly-Over-the-Top-Momente setzen, ist hier alles lauwarm und unglaublich öde. Was an Splatter geboten wird verursacht auch 8jr wohl keine Alpträume, Suspense und Spannung fehlen gänzlich und keine einzige Figur bleibt auch nur für eine Sekunde im Gedächnis, geschweige denn dass es die Zuschauer jucken würde ob sie leben oder sterben.

Zuletzt das 3D das auch nur in wenigen Unterwasserszenen nach echtem 3D aussieht und ansonsten eher wie eine billige Konversion wirkt (auch wenn laut Abspann angeblich das famose Fusion-System im Einsatz war) – manche Szenen sind so flach, dass sie kaum 2D wirken, so banal und farblos wirkt dieser hingerotzte Scheiss der von vorne bis hinten den Eindruck macht, das aber mal wirklich so gar keiner der Beteiligten irgendeinen Bock hatte über das bare Minimum hinaus irgendwas einzubringen.

Dass der Film größtenteils am Tag spielt und so selbst den Titel als dreiste Verarsche dastehen lässt, kann noch als Fußnote zu diesem völlig freudlosen Debakel angefügt werden.

Die Schlümpfe – USA 2011
2 out of 5 stars

Ächz. Okay die Erwartungshaltung spielt natürlich mal wieder eine große Rolle, die nach den unterirdischen Trailern auf Null lag. Dagegen steht natürlich die generelle Sympathie für die blauen Zwerge, die man schon zu Schulzeiten gesammelt und deren Comic-Bände ich mir immer aus der Bücherei ausgeliehen habe.
Natürlich sind sie grundsätzlich liebenswürdig, genau wie Neil Patrick Harris grundsätzlich ein sehr sympathischer Typ ist. Doch das Problem ist leider, dasselbe der anderen uninspirierten Cartoon-to-3D Adaptionen: Sie sind sind so generisch und ambitionslos, dass es schwer fällt sie nicht während des Ansehens schon zu vergessen.

Und gerade bei den Schlümpfen scheinen die Macher sehr wenig Vertrauen ins Quellmaterial gehabt zu haben, denn die krampfhafte Konfrontation mit der amerikanischen Menschenwelt fällt leider sehr zäh und öde aus. Der Humor erschöpft sich in mässigem Slapstick und Four-Letter-Words durch Smurf zu ersetzen – was spätestens nach 5min anstrengend wird und die Handlung bei der wir uns dafür interessieren sollen ob NPH seinen dämlichen Werbejob behält und die Schlümpfe als schmierig-schmalzigen Crashkurs in Vater-werden benutzt, ist mit langweilig noch vorsichtig umschrieben. Sophia Vergara spielt fast nicht mit, NPH muss wie ein Idiot Guitar-Hero-Werbung machen und wirkt dabei als wäre es ihm selbst unendlich peinlich und lediglich Hank Azaria hat als lebende Cartoonfigur Gargamel anscheinend Spaß an der Rolle – auch wenn seine computeranimierte Mieze wohl eine der wenigen Vertreter ihrer Art ist, die mal so gar nicht niedlich wirkt.

Das Peyos Zwerge am Ende in Schlumpfhausen New Yorker Wolkenkratzer nachbauen lässt einen dann doch wünschen, sie wären lieber bei Gargamel in der Suppe gelandet und hätten NPH erspart mit ihnen tränenreiche Hug-Feste zu feiern.

Für Kinder wahrscheinlich irgendwie lustig, aber für jeden über 12 eine in seiner absolut ambitionslosen Mittelmässigkeit und dank unangenehm plattem Product-Placement eher unerfreuliches Animationswerk, dessen Pixelgnome leider auch an keiner Stelle den naiv-liebenswerten Charme der Vorlage wachrufen können.

Und das Lied nervt wirklich.

Bad Teacher – USA 2011
3.5 out of 5 stars

Eigentlich will sie sich nur einen reichen Typen angeln und auf dessen Kosten ein tolles Leben führen. Doch als ihr aussichtsreichster Kandidat abspringt muss Caeron Diaz Lehrerin wohl oder übel zurück an die Schule um sich so lange durchzuschlagen, bis der nächste Traummann in Reichweite ist…

Überraschungsfrei aber dank vieler gut platzierter R-Rated-Derbheiten und der rundherum passenden Besetzung ein überaus amüsanter Wegguck-Film, ohne Originalitätsanspruch. Eine Prise School of Rock, ein bißchen Bad Santa und das komödiantische Talent von Diaz reichen aus um der anfangs unausstehlichen Lehrerschlampe gerne bei der Menschwerdung zuzusehen.

Justin Timberlake brilliert als blödeste Blinse der Lehrgeschichte, Jason Segel sieht wieder aus wie ein Muppet und ist einfach nur sympathisch und die Kinderdarsteller liefern die passenden Sidegags und den mild schockierenden Kontrast für die sexuelleren Gags der Komödie.

Mit etwas mehr Ideen hätte der Film vielleicht zum kleinen Unikat werden können, aber auch so reicht es für nen spaßigen Filmabend.

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Originaltitel: Twilight Saga: Breaking Dawn – Part 1, The
Herstellungsland: USA 2011
Regie: Bill Condon
Drehbuch: Melissa Rosenberg
Darsteller: Kristen Stewart, Robert Pattinson, Taylor Lautner, Dakota Fanning
2 out of 5 stars

Bella und Edward heiraten. Jacob ist mit der Gesamtsituation unzufrieden. Bella wird schwanger mit einem Monsterbaby. Werwölfe knurren. Über allen Wipfeln liegt Ruh. Warte nur, bald knurrest auch du.

Dem Klischee folgend, dass die Twilight-Serie sowieso nur für Mädchen gedacht ist, bleibt auch dieser Vorletzte Halbteil in erster Linie eine Variante von “Lass uns drüber reden” – lasst euch nicht täuschen von der Behauptung hier gäbe es mehr Action oder es würde mehr passieren, das ist eine gestörte Wahrnehmung die nur auf Grund der extrem gesenkten Erwartungshaltung durch die Vorgänger plausibel erscheint. Wenn man Stalaktiten beobachtet scheint jeder fallende Kieselstein irgendwann auch als nervenzerfetzender Actionmoment.

Trotz des Millionenerfolges bleibt das Budget der Twilight-Filme eher übersichtlich, was sich sowohl an der Anzahl der Locations, der Actionszenen sowie der Qualität der Spezialeffekte bemerkbar macht, die lediglich graduell besser ist als Teil 3.

Der Großteil des Films ist wie gehabt langwieriges Rumpalavern in und um das Haus der Cullens in dem sich Bella auf ihre Explosion vorbereitet. Bewährtes Soap-Feeling stellte sich ja schon bei Ansicht des Posters ein und ein Hauch von California Clan umweht auch stets die blassen Vampirdarsteller bei der Interpretation von Drei-Tage-Regenwetter beim Pauschalurlaub. Kristen Stewart sieht effektiv aus wie Christiane F. nach dem All-You-Can-Eat-Buffet, Edward schaut mit Darmgrippegesicht bedeutungsschwanger drein, Jacob behält sein Shirt zu oft an, ist aber bis zu seiner Prägung auch mal wieder der einzige zurechnungsfähige Charakter der Truppe, auch wenn Lautner nicht eben wesentlich mehr Gesichtsausdrücke hat als Pattinson.

Es passiert im Grunde genommen kaum etwas und über weite Strecken wird Zeit geschunden, weil Bellas Vampirisierung und die Geburt ja krampfhaft bis zum Ende aufgeschoben werden muss. Wirkte es beim Harry Potter-Zweiteiler noch halbwegs nachvollziehbar die umfangreiche Story aufzuteilen, dreht Twilights Erzählmotor so oft im Leerlauf, das deutlich wird wie sehr die Macher mit dem Marketingwunsch der Teilung gehadert haben. Die unnötig aufgepumpten Zänkereien mit dem Wolfsrudel, kaschieren nur schwer den inhaltlichen Stillstand.

Bill Condon, in der Vergangenheit ein Hit-and-Miss-Regisseur, bemüht sich etwas Spannung zu erzeugen, aber das GZSZ-Feeling, die fehlende Größe der Story die niemals Epos-Format erreicht (weil einfach nie wirklich etwas Wichtiges an den Entscheidungen der Figuren hängt) und die deswegen auch nicht im Ansatz an pottersches Pathos heranreicht, liegt bleischwer über dem Werk, dass krampfhaft versucht erwachsen zu werden, wo die Wendy-Dramaturgie einfach nichts hergibt. Das die Dialoge klingen als wären sie ursprünglich für Christiane Neubauer geschrieben und schwurbelige Blicke wie Schwalben kurz vorm Heiterbiswolkig durch die Gegend sausen, versteht sich von selbst. Bella ist immer noch der unnützeste Zellhaufen des Postfeminismus, Edward glänzt gleichfalls wieder durch bekannte Eigenschaftslosigkeit (denn weiterhin verbindet die beiden nichts außer die Behauptung des Verliebtseins) und generell gilt: Wer Charakter entwickelt nimmt eine Aspirin, legt sich eine halbe Stunde hin und wartet bis es besser ist. Das die Sexszene ein bißchen nach Schlussverkauf bei Obi aussieht, mag der züchtigen Jugendfreigabe geschuldet sein, aber nachdem Buffy und Spike in einer Folge beim Sex mal ein ganzes Haus abrissreif gefickt haben, erscheint auch das sehnlichst erwartete Katsching überraschend hier fade und mutlos im Vergleich.

Zum Schluss die vielgerühmte Geburtsszene, gut die mag für Zuschauer die noch auf das erste Schamhaar warten vielleicht etwas verstörend wirken, dürfte hartgesottene Splatterfreaks (also Zuschauer die schonmal Emergency Room geguckt haben oder ohne Mutti an der Wursttheke einkaufen durften) in ihrem TV-Sanftheit doch eher unbeeindruckt lassen, genauso wie Jesu pardon Bellas Himmelfahrt und Auferstehung die Geduld rein längenmässig doch arg strapaziert.

Lichtblick: Die Hochzeitsszene in der Conlon dicht dran ist in die Selbstparodie abzugleiten. Doch danach gibts viel getretnen Quark. Und der wird wie wir ja wissen nur breit. Nicht stark.

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Erklärung aus der Freigabebegründung: “(…) behandelt der Film ein schwieriges Thema, welches für die Jüngsten der beantragten Zuschauergruppe, die sich in diesem Alter in der sexuellen Orientierungsphase befinden, sehr belastbar sein könnte. Das Thema selbst ist schon schwierig für 12 bis 13jr und die Schilderung einer völlig einseitigen Welt von Homosexualität im Film könnte hier zu einer Desorientierung in der sexuellen Selbstfindung führen. Die explizite Darstellung von schwulen und lesbischen Jugendlichen und deren häufige Partnerwechsel können verwirrend auf junge Zuschauer wirken, auch wenn der Film auf der Bildebene nicht schamverletztend ist und niemanden diffamiert. Der Film spiegelt eine verzerrte Realität wider, die Kinder auf Grund keiner oder zu geringer Erfahrung nicht erkennen können.”

WTF? Wenn Til Schweiger massenweise Tussis flachlegt, in Hangover 1 und 2 asoziales Verhalten glorifiziert und unsafer Sex propagiert wird, in Twilight Bella sich mit Vampiren und Werwölfen paart und bei der Geburt beinah zerfetzt wird ist das alles schnieke, aber wenn queere Jugendliche gezeigt werden die sich ebenso benehmen wie Jugendliche es tun, dann ist das desorientierend und verwirrend? Liebe FSK, es wirkt leider eher als wenn ihr euch immer noch nicht mit der Realität angefreundet habt. Wie wäre es wenn ihr einfach schreibt: Wir glauben der Film ist gefährlich, weil er Kinder schwul oder lesbisch machen kann! Das wäre derselbe Unsinn wie das da oben. Nur ehrlicher.

Wirklich, es geht mit nicht darum, ob sich 12jr den Film ansehen wollen – sondern nur darum, dass hier mal wieder auf ekelige Weise mit zweierlei Maß gemessen wird. Große Mainstream-Filme kriegen ihre FSK12-Wertung, egal wie derb sie sind und egal wie sozial fragwürdig das dort gezeigte Verhalten ist (was ich auch okay finde, denn ich denke 12jr kommen damit durchaus klar) und kleine Verleiher werden mit ihren Filmen abgewatscht und bekommen die kaum verschleierte Homophobie in der Urteilsbegründung reingedrückt.

Just one of many things that is oh so wrong mit dem deutschen Jugendschutz…

[via: Salzgeber-Facebook-Seite]

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[via: Nextmovie.com]

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Georg Takei hat über seinen Facebookaccount dieses Bild geteilt, mit dem passenden Kommentar:

“Twilight: Breaking Dawn” nearly hit a record at the box office this weekend. It’s a good thing it has such a positive message for girls, compared to other films.”

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The Thing – USA 2011
3 out of 5 stars

Vorgeschichte von Carpenters The Thing in der wir erfahren, was im norwegischen Forschercamp passiert ist, die das Alien und das Raumschiff entdeckt haben.

Es hätte schlimmer kommen können. Ganz klar spielt das verspätete Prequel an keiner Stelle in derselben Liga wie Carpenters Meisterwerk, aber es versucht sich im respektvollen Umgang mit dem Original in dessen Anfang es immerhin nahtlos überleitet.
Was dem neuen Film fehlt sind starke Charaktere und die ruhige, suspensegeladene Stimmung des Originals. War im Original jede Figur auf ihre Weise einprägsam und interessant, dienen die viele Figuren des norwegischen Camps hauptsächlich als verheizbares Kanonenfutter, für das “Ding” das sich diesmal entgegen der Tagline von Carpenters Film (“Man is the warmest place to hide”) weniger versteckt, als wie ein Slasher-Killer hinter seinen Opfern her ist. Die verschiedenen Mutationen sind dabei durchaus originell und faszinierend konzipiert, kranken allerdings an ihrem digitalen Look, der sie nur in wenigen Momenten als so real und greifbar erscheinen lässt, wie Rob Botins Latexkreationen. Das diesmal eine außenstehende US-Forscherin (und Amerikanerin) als Identifikationsfigur in den Plot gepresst wurde, die sich mit dem eindimensionalen Mad Scientist rumstreiten darf, tut der Spannung auch nicht wirklich gut, denn so stellt sich nie das Gefühl echter Abgeschlossenheit ein und die Idee mit den Plomben als Nachweis der menschlichen Echtheit ist leider auch nicht halb so nervenzerfetzend, wie der Bluttest des Originals.

Die Musik und Kameraführung versucht sich schon dran Carpenters Werk zu imitieren und es gibt zugegeben viel langweiligere und ärgerlichere Filme als dieses neue Thing. Aber leider fügt das Prequel der Geschichte weder etwas interessantes hinzu, noch ist er je mehr als eine Fußnote zum Original. Und dessen Schicksal nach geflopptem Kinostart erst spät zum Kulterfolg zu werden, dürfte das Remake wohl auch nicht erwarten – denn dazu ist es einfach zu gewöhnlich.

Submarine – UK 2011
4 out of 5 stars

Der eigenwillige britische Teenager Oliver Tate muss sich mit der Beziehungskrise seiner Eltern, dem Erwachsenwerden und der schwierigen Beziehung zur Freundin Yordana herumschlagen.

Nicht die originellste Coming of Age-Story, aber dennoch eine sehr skurril und sehr englisch, respektive walisisch erzählte Story über das Erwachsenwerden und die erste große Liebe. Die Darsteller sind eher sympathisch, als schön und Meilen entfernt von den geleckten US-Kollegen. Der Soundtrack ist großartig stimmungsvoll und die Küste von Swansea bildet den passenden optischen Background, der die innere Melancholie und jugendliche Unsicherheit wie den Hang zum großen, prätentiösen Drama widerspiegelt. Als Geistesverwandter von Adrian Mole und Nick Twisp kann Oliver Tate durchaus überzeugen und wenn er mit seiner Freundin Freundin zusammen Dinge anzündet, sich selbst Super 8-Erinnerungen erschafft oder elaborierte Todesphantasien durchspielt, ist das eigenständig genug um davon abzulenken, dass die Themen natürlich universell sind und wir diese Teen-Angst schon dutzendfach gesehen haben. Letztlich funktioniert der Film auch eher darüber wie er die Story erzählt, als darüber was er erzählt. Besonders erwähnenswert neben den jungen Hauptdarstellern auch Noah Taylor, als dauerdepressiver Vater und Sally Hawkins als Olivers Mutter.

Real Steel -USA 2011
3 out of 5 stars

Heruntergekommener Ex-Boxer wird überraschend mit seinem Sohn konfrontiert und muss nicht nur seine Beziehung zu ihm kitten sondern auch einen abgetackelten Kampfroboter zum Sieg führen…

Ohne Hugh Jackmans Charme hätte diese Robo-Version von Rocky wirklich Probleme. Dank ihm bleibt der Film im soliden Fahrwasser des Kinderkinos, der ideale Sonntag-Nachmittags-Kost ohne jede Überraschung abliefert.
Tricktechnisch ist das ganze überraschend zurückhaltend und gerade deswegen beindruckend, die Roboter verschmelzen nahtlos mit der real gefilmten Action. Dramaturgisch wirds bisweilen etwas anstrengend, denn der kleine Junge überschreitet mehr als einmal die Grenze zum Nervigen, zumal er nie als Kind wirklich glaubhaft wird, so sehr ist er den Erwachsenen des Films überlegen.
Die Logik ist auch nicht der große Freund des Drehbuchs und Captain Kitsch schlägt im tränenseeligen Final dann auch härter zu, als jeder Kampfroboter.
Mit 12 hätte ich den Film vielleicht geliebt, aber als Erwachsenem bietet der Streifen dann doch zuwenig Überraschungen als das es für ein mehr als “ganz nett” reichen würde. Trotzdem ist der Film mit seiner warmherzigen Harmlosigkeit immer noch um Längen sympathischer als Transformers und Co.

Tim & Struppi und das Geheimnis der Einhorn – USA 2011
3.5 out of 5 stars

Tim & Struppi lernen auf der Suche nach dem Geheimnis das sich in den drei Miniaturnachbildungen des Schiffs “Einhorn” Kapitän Haddock kennen und stürzen sich mit ihm in ein Abenteuer…

Wie erwartet setzt Spielberg im Bereich Motion-Capture-Film neue Maßstäbe. Technisch stellt er die Werke von Zemeckis deutlich in den Schatten und auch das Problem der toten Augen ist zwar nicht ganz verschwunden, aber deutlich besser als in anderen Werken. Problematischer ist da schon das Mischkonzept, die künstlerische Entscheidung die Figuren weder ganz menschlich, noch ganz stilisiert wirken zu lassen. So haben wir seltsam cartoonige Gestalten mit Sommersprossen, Poren und und Haaren auf den Armen – die zumindest für mich nie ganz den seltsamen Hauch des sterilen Abschütteln konnten.

Die Story geht im großen und ganzen in Ordnung, bietet klassische Abenteuerkost und einige rasante Actionszenen und wohl die schönste Intro-Animation der letzten Jahre, die Anklänge an “Catch me if you can” liefert – nicht zuletzt weil wir auch hier wieder mal John Williams im Jazz-Modus erleben dürfen.

Soweit ich es beurteilen kann, bleibt der Film auch den Figuren und dem Erzähltonfall Herges relativ treu, spielt mit kleinen Verweisen auf den Tintin-Kosmos, was Fans des Jungreporters sicher freuen dürfte. Mein Fall war der Mix aus relativ brutaler Action, in der ständig mit Maschinengewehren und Pistolen geballert und getötet wird und sehr kinderaffinen Slapstick-Humor allerdings schon in den Comics und Zeichentrickfilmen nicht ganz. Tim und Struppi sind noch ganz okay, aber Captain Haddock (schön gespielt von Andy Serkis) der ständig zwischen weinerlichem Säufer, Selbstüberschätzung und Trottel hin und herspringt ist auf Dauer genau wie Schulze & Schultze mit ihrer Dauerdebilität ziemlich anstrengend. Was ich in einem konsequent cartoonigen Film, mit überzeichneten Figuren wie Shrek oder Despicable Me akzeptieren kann, wirkt in diesem Halbrealistischen Look unpassend und merkwürdig. Zugleich passiert im Grunde relativ wenig und nach dem ganz unterhaltsamen Showdown mit dem Schurken bleibt das Gefühl, das wahre Abenteuer stünde erst noch bevor. Bei aller Kritik bin ich dennoch gespannt was Peter Jackson aus dem nächsten Film macht, denn Spielberg geht inszenatorisch doch zu oft auf Nummer Sicher und erinnert in den Actionszenen streckenweise unangenehm an Indiana Jones 4 – auch wenn er und seine All-Star-Screenwriter-Horde wohl versucht haben das Flair von Raiders zu imitieren.

Es bleibt kein schlechter Film, der die zahllosen Fans (so sie sich nicht an Beckmessereien aufreiben) und kleinere Kids wohl gut unterhalten dürfte (wenn man es okay findet sie Filme sehen zu lassen in denen Nonstop mit Waffen herumgefuchtelt und geballert wird), bei dem wir aber gespannt sein können, ob er viele neue Fans hinzugewinnen wird.

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In seinen Augen nur ein paar dumme Vergewaltiger mit Hippi-Flausen im Kopf, die lieber mal zum Militär gehen sollten um das Land gegen die wahre Gefahr, den islamistischen Terrorismus zu bekämpfen. Ob sich Miller damit als Gastautor für Politically Incorrect bewirbt, weiß ich nicht, aber reinpassen würde seine Tirade dort schon ganz gut.

“The “Occupy” movement, whether displaying itself on Wall Street or in the streets of Oakland (which has, with unspeakable cowardice, embraced it) is anything but an exercise of our blessed First Amendment. “Occupy” is nothing but a pack of louts, thieves, and rapists, an unruly mob, fed by Woodstock-era nostalgia and putrid false righteousness. These clowns can do nothing but harm America.

(…)In the name of decency, go home to your parents, you losers. Go back to your mommas’ basements and play with your Lords Of Warcraft.
Or better yet, enlist for the real thing. Maybe our military could whip some of you into shape.”

Ach ja, natürlich hat Miller selbst nie beim Militär gedient, wo er von der Physis her wahrscheinlich eher als Türstopper Verwendung gefunden hätte. Aber er leistet seinen Dienst im Kampf gegen den Terror mit seiner neuen Comic-Serie “Holy Terror” über die Wired schrieb: “”Frank Miller doesn’t do things halfway. One of the true comic-book greats, he’s created several of the most extraordinary stories ever to grace the art form. So perhaps it’s fitting that now he’s produced one of the most appalling, offensive and vindictive comics of all time … Miller’s Holy Terror is a screed against Islam, completely uninterested in any nuance or empathy toward 1.2 billion people he conflates with a few murderous conspiracy theorists.”

Die Reaktionen der Commic-Community auf Millers-Blogeintrag waren wenig freundlicher als Wireds Reaktion auf den Comic. Und auch der Video-Blogger “The Amazing Atheist” nimmt sich Millers Occupy-Abwatschung in seinem neuen Video vor:

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Eine Reisende kehrt aus Asien zurück und bringt eine Killergrippe mit die sich schnell ausbreitet und binnen weniger Tage Tausende Opfer fordert. Regierung, Wissenschaftler und Ordnungskräfte versuchen verzweifelt den Ausbruch unter Kontrolle zu bekommen.

Bei allen Stars und allem Aufwand fühlt sich Contagion doch insgesamt überraschend banal an. Irgendwo zwischen Outbreak und dem Galileo-Special zur Killergrippe, zieht sich der überlange Film ohne tatsächlich mitzureissen oder zu berühren. Keine der Figuren wirkt tatsächlich lebendig, alle sind überdeutlich durch ihre Funktion definiert.
Doch Funktionen lassen uns nicht mitfühlen. Wo im ähnlich gelagerten “And the band played on…” die Entdeckung des HIV-Virus und seine globalen Auswirkungen menschlich nachfühlbar vermittelt wurden, bleibt Contagion Herz- und Spannungsfreies Kino, das zwar halbwegs plausibel aber dennoch ohne eigentliche Story dahinplätschert und dramaturgisch mehr als einmal gehörig durchhängt.
Am Schlimmsten bleibt die durchgängige Unoriginalität, die den ganzen gängigen Todesviren-Szenarien überhaupt nichts hinzuzufügen hat und – das enttäuscht bei Soderbergh tatsächlich – beständig das Gefühl vermittelt, es auch nichtmal zu versuchen. Zwei drei sülzige Momente mit Matt Damon und Tochter, die wir im Grunde auch nicht kennenlernen und die erkennbar nur als “Human Interest” eingebaut sind, reichen nicht aus um die Dimension des Geschehens tatsächlich spürbar zu machen.

Contagion mag ausreichen um misstrauisch zu gucken, wenn das nächste Mal in der Ubahn jemand hustet – das wirkliche Grauen eines solchen Virenausbruchs, bleibt er trotz Millionen Toten letztlich schuldig.

Der große Crash – Margin Call – USA 2010
2.5 out of 5 stars

Die letzten 24 vor dem großen Börsencrash von 2008 in einer Lehmann-ähnlichen Großbank, deren Manager langsam realisieren, was die Stunde geschlagen hat.

Blendend besetzt mit einem hochspannenden Thema überrascht Margin Call hauptsächlich dadurch, wie klein er seine Story inszeniert, wie wenig mitreißend und spannend das Ganze letztlich doch wirkt. Spacey darf mal wieder etwas sympathischer spielen als in seinen letzten Werken, Quinto (der auch produziert hat) gibt den Rocket-Scientiest gone Banker mit überraschender Sanftheit und Jeremy Irons spielt mit sichtlicher Freude den überlebensgroßen Bankboss. Für sich genommen sind die schauspielerischen Leistungen alle sehr ansehnlich, auch Paul Bettany, Stanley Tucci und Demi Moore machen keine schlechte Figur – aber trotzdem bleibt der Eindruck von kleinlichem Geplänkel, das menschlich und inhaltlich eher kalt lässt.

Wer die Dokumentationen “Inside Job” oder “The Smartes Guys in the Room” gesehen hat, weiß wie spannend, packend und intellektuell wie emotional aufwühlend solche Stories erzählt werden können. Wenn in Margin Call nach anderhalb Stunden in denen missmutige Anzugträger in abgedunkelten Räumen zu melancholischer Musik gesprochen haben, versucht wird etwas bodenständige Emotion zu erzeugen, indem wir Spacey sehen, der seinen Hund beerdigt, dann verrät das viel über die Ratlosigkeit der Drehbuchschreiber, die sich anscheinend selbst nicht sicher waren, was sie jetzt genau sagen wollten.

Don’t be afraid of the dark – USA/Aus/Mex 2011
2.5 out of 5 stars

Im Keller eines Hauses lauert das Unheil auf eine Patchwork-Family, die mit ihrer Tochter gerade frisch eingezogen ist.

Das Hauptproblem dieses braven Remakes eines TV-Gruslers aus den frühen 70er, der sich redlich müht Gothic-Horror zu erzeugen, ist das er an keiner Stelle unheimlich, wirklich spannend oder überraschend ist. Ihn umweht museale Behäbigkeit die auch durch die solide Kameraarbeit, die hübsch getricksten Monsterchen und die wabernde Musik nicht wettgemacht wird.

Das jetzt die kleine Tochter statt der Frau des Hausbesitzers die verhängnisvolle Kaminklappe öffnet ist im Grunde schon der einzige Unterschied zum Vorgänger, der zumindest Retrocharme für sich verbuchen kann. Del Toro, der sich als Produzent mit dem Remake ein Kindheitstraum erfüllt, mag jetzt besser schlafen können – aber nur weil der vom Comiczeichner Troy Nixey dirigierte Streifen höchstens Neunjährigen zu wohliger Gänsehaut verhilft.

Dabei hat der überkandidelte Prolog noch den creepigsten Moment zu bieten, enthüllt aber gleichzeitig zuviel über die kleinen Monster, die verdammt an die Tooth Fairies aus Hellboy 2 erinnern. Sie sind aber leider eher possierlich als unheimlich und liefern im Grunde immer dieselben paar Krabbelroutinen ab. Was fehlt ist das mysteriöse, die Ungewissheit, denn im Grunde sind die Fronten klar sobald das muffige Mädel zu ihrem Vater ins Haus zieht. Die Dunkelheit macht hier keine Angst und auch die Figuren laden nicht zum Mitfiebern ein, zu blass bleibt der von Guy Pierce unentschlossen gespielte Vater, zu one-noted Katie Holmes als “Daddys neue Freundin, die es doch nur gut meint”. Und letztlich krankt der Film auch daran, dass ähnlich wie in Pans Labyrinth das kleine Mädchen nicht gerade eine mimische Offenbarung, sondern bestenfalls Durchschnitt ist und auch als Charakter eher unterentwickelt bleibt – Einige Szenen sind so hölzern und schwerfällig inszeniert, dass man der kleinen auch gleich ein Schild mit “Ich bin von der Scheidung meiner Eltern traumatisiert” hätte um den Hals hängen können.

Bot The Orphanage creepigen und stimmungsvollen Geistergrusel bis zur Auflösung, schläft Don’t be afraid of the dark leider auf vertrauten Pfaden ein und lässt uns nie vergessen, dass wir das alles schon oft viel spannender gesehen haben.

Ein paar Ehrenrettungspunkte gibts für die Ausstattung des Hauses, das wirkt wie Guillermo del Toros Crib-Besichtigung und ein Querschnitt durch den Hellboy und Pan-Fundus.

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Terra Nova – USA 2011
Erster Eindruck: 2.5 out of 5 stars

Irgendwann in der Zukunft, die Menschheit hat die Erde verseucht. Die einzige Hoffnung auf einen Neuanfang liegt in der Vergangenheit. Mit einer Zeitmaschine werden Siedler in die Zeit der Dinosaurier (in einen parallelen Zeitstrahl um den Butterfly Effect zu vermeiden) zurückgeschickt um dort eine neue Kolonie aufzubauen.

Natürlich ist Spielberg schon lange kein Gütesiegel für erstklassige Unterhaltung mehr, doch zumindest im Kino hat er immer wieder seine lichten Momente und selbst mittelmässige Filme haben ihre coolen Szenen, die das Ansehen lohnen. Als TV-Produzent hat er leider oft ins Klo gegriffen. Das “United States of Tara” so gut war, lag wohl auch eher an Diablo Cody, als an Steven, der wenn man ihn alleine machen lässt seit Jahren nur Bildschirm-Schrott wie SeaQuestDSV, Taken oder das überproduzierte und unter-originell Twilight-Zone-Rip-Off “Amazing Stories” hervorbrachte. Zuletzt enttäuschte Falling Skies als Alien-Invasion-Serie – die hauptsächlich deshabel überraschte, weil ihr Budget anscheinend von Folge zu Folge kleiner wurde, bis das Season-Finale die Endscheidungsschlacht dann sogar im Off stattfinden ließ. Ein Schicksal das dieser Jurassic Park meets Swiss Family Robinson-Serie, deren Pilot angeblich alleine über 10 Millionen gekostet haben soll, auch drohen könnte. Denn die Stories sind noch abgeschmackter, sülziger und altbackener als bei Falling Skies und die Trickeffekte sehen 20 Jahre nach Jurassic Park stellenweise aus, wie von Asylum geborgt. Dafür das ernsthaft hohes Drama angepeilt wird, bleiben die Figuren in den ersten drei Folgen sehr dünn gezeichnet und an keiner Stelle blitzt der Spaß auf, den man von einer Serie die eine derart hanebüchene Prämisse hat, eigentlich erwarten würde.

Während bei Primeval, das mit einem Bruchteil des Budgets seine Spektakel inszenieren muss, trotz trashigem Charme und cheesigen Momenten immer der Spaß überwiegt, sich die Ereignisse überschlagen und die Figuren zum Mitfiebern einladen, zieht sich Terra Nova bislang sämig in die Länge und erzählt sein nichts von Story in Tropfstein-Geschwindigkeit. Die Familie ist stinklangweilig und wäre nicht Stephen Lang als knarziger Chef der Siedler und Christine Adams als Anführerin der Rebellen, gäbe es kaum Momente die das anschauen lohnen – am wenigsten die mit den Sauriern.

Torchwood: Miracle Day UK/USA 2011
4.5 out of 5 stars

Auf einen Schlag stirbt niemand mehr. Weltweit. Menschen bleiben verletzt und krank, doch egal wie schlecht es ihnen geht: Sie sterben nicht mehr. Was anfänglich als Wunder angesehen wird, entwickelt sich bald zum globalen Problem und Fall für die Reste von Torchwood, denn das Wunder hängt irgendwie mit Captain Jack Harkness
zusammen, der als einziger Mensch plötzlich sterblich ist.

Es gibt tatsächlich noch Wunder. Während Moffat Doctor Who zu einer peinlichen, billig-aussehenden Travestie werden lässt, zeigt RTD wie man es richtig macht. Mit deutlich höherem Budget und in Zusammenarbeit mit dem USA-Sender Starz schafft er es eine fulminante, nachdenkliche, spannende und immer wieder überraschende Staffel von Torchwood zu produzieren. Die Angst, dass die Serie ihren britischen Touch verlieren könnte, war zum Glück unbegründet – sie fühlt sich immer noch sehr nach BBC an, auch wenn sie in weiten Teilen in den USA spielt und die Cast US-Verstärkung erhielt. RTDs Erzählweise war vielleicht immer schon eher amerikanisch inspiriert, deswegen fügt sich die neue Story mit ihren multiplen Handlungsorten auch letztlich zu einem befriedigenden großen Ganzen zusammen. Auch wenn ein-zwei Folgen etwas schwächeln und als Detour dienen um auf 10 Episoden zu kommen (z.B. Die Heist-Folge oder die Flashback-Folge mit Jacks Ex-Geliebtem), bleibt ein faszinierendes TV-Erlebnis, das viele provozierende Fragen stellt.

RTD-typisch geht es natürlich auch immer wieder um das große Ganze, die ganz großen Gefühle, Konflikte und das Ende der Welt – doch dank des starken Ensembles, schillernder Gegner und ambivalenter Figuren (ein verstörend-guter Bill Pullman als pädophiler Kindermörder Owald Danes, Lauren Ambrose als PR-Frau from Hell) funktionieren sogar die schwächeren Episoden noch verdammt gut und schaffen es über die gesamte Laufzeit bei der Stange zu halten und zum Schluss ein neues, verändertes Torchwood-Team zu präsentieren, auf dessen weitere Abenteuer ich ziemlich gespannt bin.

Ringer – USA 2011
Erster Eindruck: 3 out of 5 stars

Buffy is back. Bzw. Sarah-Michelle Gellar die in dieser Serie ein Zwillingspärchen spielt. Zwei Schwestern, die sich lange voneinander entfremdet haben. Als die eine bei einem Bootsunfall stirbt, ergreift die andere die Chance ihr verkorkstes Leben gegen das der Schwester zu tauschen…

Die Prämisse ist nicht so originell, wird allerdings ziemlich rasant umgesetzt. Ringer scheint zumindest einen Plan zu haben, wie die verschiedenen Mysterien aufgeklärt werden, die in den ersten Folgen auftreten und Gellar macht ihre Sache auch ziemlich gut, ebenso wie der Rest der Cast. Das Wechselspiel zwischen Screwball-Momenten und spannendem Drama und Thriller funktioniert ebenfalls nicht schlecht, auch wenn der letzte Funke zum wirklichen Must-Watch noch fehlt. Bisher liefert Ringer aber solide Serienunterhaltung ab und ich werde mal dabei bleiben und schauen, wie sich das ganze weiter entwickelt.

An Idiot abroad – UK 2010/11
4.5 out of 5 stars

Karl Pilkington wird von SKY ausgesandt um als Idiot auf Reisen die Wunder dieser Erde zu sehen (bzw. in Staffel 2 die Dinge zu erleben, die man im Leben gemacht haben sollte, ehe man stirbt). Als Natural Born Moaner der am liebsten nur seine Ruhe möchte, ist Karl natürlich prädestiniert dafür, von der Welt angenervt zu werden…

Ricky Gervais und Stephen Merchant sind die geborenen Sadisten. Die diebische Freude die sie verspüren, wenn sie ihren Kumpel Karl Pilkington rund um die Welt hetzen um ihn aus seiner Comfort-Zone zu bringen, ist teilweise schon etwas heftig. Umso mehr Spaß macht es dann Karl bei seinen Trips zu beobachten, wenn man ihn mit Weltwundern und fremden Kulturen konfrontiert. Und auch wenn der Titel es plakativ behauptet: Karl ist kein Idiot, denn in seinen Rants ist oft erstaunlich viel Wahrheit enthalten. Er traut sich auszusprechen, was jene die mit ehrfurchtsvollem Blick durch die Welt reisen, wohl nichtmal zu denken wagen. Dabei ist er nie bösartig oder herablassend gegenüber den Menschen auf die er trifft, sein Blick ist oft der eines Kindes, das überrascht und verblüfft reagiert, wenn die Dinge ihm zu fremdartig vorkommen. Karl bringt ein Level von Realität in das verstaube Reisereportage-Genre und erzeugt letztlich mehr Verständis für andere Kulturen, als es die üblichen Bildungsbürger Unterwegs zu vermitteln in der Lage sind.

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Originaltitel: Fright Night
Herstellungsland: Großbritannien/USA 2011
Regie: Craig Gillespie
Buch: Marti Noxon
Darsteller: Colin Farrell, David Tennant, Anton Yelchin, Christopher Mintz-Plasse, Toni Collette
4 out of 5 stars

Charlie Brewster (Anton Yelchin) könnte eigentlich ein nettes Teenagerleben führen: Er hat seine Nerdvergangenheit erfolgreich abgeschüttelt, eine tolle Freundin und eine coole Mom (Toni Colette) – wäre da nicht sein Ex-Bester-Freund Ed (Christopher Mintz-Plasse) der versucht ihn davon zu überzeugen, dass neben den Brewsters ein Vampir eingezogen ist und der charmante neue Nachbar Jerry (Colin Farrell) in Wirklichkeit ein böser Blutsauger ist. Dumm nur, dass Ed recht hat…

Ein Remake das tatsächlich besser ist als die Vorlage? Ja! Denn auch wenn sich Disney mit den 08/15-Trailern viel Mühe gibt den Film niederzumachen, ist Fright Night eine erstklassig besetzte, sehr witzige, stimmungsvolle und an vielen Stellen überraschend blutige Horror-Comedy. Und das sage ich als Fan der beiden Originalfilme, der immer noch ein originaleingeschweisstes “Glow in the dark”-Vampirgebiss zum alten Fright Night bei sich an der Pinnwand hängen hat (“If you love being scared, this will be the night of your life”). Tom Hollands Film macht auch heute noch eine ganze Menge Spaß, was nicht nur an den MaskenFX und dem unvergleichlichen Roddy McDowell liegt, der einen herrlichen Fuddy-Daddy Vampirjäger abgab, sondern auch an der sexuellen Spannung die sich durch den Film zog (die sicher nicht nur dran lag, dass der Darsteller des Original-Evil-Ed später eine Karriere als Pornostar machte). Fright Night bot interessante Vampire, die den Verführungsaspekt wirkungsvoll inszenierten ohne es auf schmalziges Romantikgeschwurbel zu reduzieren.

Und das Remake, des “Lars and the real girl”-Regisseurs Craig Gillespie, nach einem Buch von Buffy-Veteranin Marti Noxon, übernimmt genau die Stärken der Vorlage und dreht sie auf 11. Ohne Atempause und in der Eröffnung fast etwas zu gehetzt, legt der Film (der clever nach Las Vegas verlegt wurde – eine Stadt die an sich schon hinreichend surreal wirkt) los und zeigt uns in wenigen Skizzen wer die Personen sind und wie sie zueinander stehen. Das alle Hauptrollen gut besetzt sind, hilft dabei nicht unerheblich, denn die Darsteller schaffen es in wenigen Momenten lebendige Charaktere zu erschaffen. Yelchin spielt dabei einen vielschichtigeren und interessanteren Brewster als sein Vorgänger, dessen einzige Motivation es war flachgelegt zu werden. Der neue Brewster ist zu Beginn ein ziemlich unsympathisches Arschloch, der sich von seinem nerdigen Freund lossagt, aus Angst er könne nicht cool wirken. Christopher Mintz-Plasse schafft es ebenfalls, der Ed-Figur einen neuen Twist zu geben. Die ambivalente Sexualität klingt immer noch an, doch wichtiger ist hier die verratene Freundschaft, die ihn wirklich verletzt und auch in seiner überraschend wirkungsvollen Rückkehr zu einer tragisch-sympathischen Figur werden lässt. Imogen Potts hat als Amy zwar immer noch nicht soviel zu tun, funktioniert aber auch deutlich besser als Amanda “Marcy D’Arcy” Bears die als Damsel-in-Distress nie ganz überzeugen konnte und mit ihren toupierten Haaren eher als Brewsters Mutter durchging.

Witzig, wenn auch von der Rolle insgesamt nicht so cool wie Roddy McDowell ist David “The Doctor” Tennant. Die Anpassung aus ihm einen Chris Angel für Arme zu machen ist originell, funktioniert aber nicht ganz so gut, wie Dowells Peter Vincent der als TV-Host einer Horrorshow einfach unerreicht bleibt. Was nicht bedeutet, dass Tennant nicht gut spielt und ein paar wirklich klasse Szenen hat.

Die größte Überraschung ist allerdings Colin Farrell (zuletzt mit Todes-Frise in Horrible Bosses zu sehen) der Chris Sarandons Version ganz eindeutig überlegen ist. Sarandons Jerry war mehr George Hamilton als Christopher Lee – ihm fehlte die wahre Bedrohlichkeit, aber auch der echte Sex-Appeal. Farrell hat offensichtlich jede Menge Spaß mit der Rolle und spielt sie breit aus. Sein Jerry ist ein intelligentes Raubtier, das mit seiner Beute spielt, sie umwirbt, verführt, bedrängt und sich dabei immer eine Spur zu selbstsicher gibt. Wenn er Charlie um Bier bittet und hofft ins Haus eingeladen zu werden, wenn er versucht ihn zu manipulieren und auf seine Seite zu ziehen oder schon fast arrogant zulässt wie Charley eines seiner Opfer befreit – dann strahlt er eine faszinierende Bedrohlichkeit aus, die zeigt warum Vampire richtig genutzt doch tatsächlich gefährlich sein können. Wenn sie mal gerade nicht schmollende Mädchen umgarnen.

Schön auch zu sehen, dass die Figuren sich hier mal halbwegs glaubhaft verhalten und auch die Mutter keine dutzende Überzeugungsarien braucht, obwohl deutlich sein müsste, das Jerry nicht der nette Nachbar ist, der er vorgab. Überflüssig sind hier nur die Schul-Bullies deren Rollen so gar nichts zur Handlung beitragen, aber sie nehmen auch sowenig Zeit weg, dass sie nicht weiter stören.

Ein cooler Soundtrack (Ohrwurm: 99 Problems), viele gelungene Referenzen auf das Original (u.a. der legendäre MegaJaws-Mund den Amy nach ihrer Verwandlung bekommt) und ein paar nette WTF-Momente runden das Bild ab: Für Genre-Fans wird es dieses Halloween wohl keinen besseren Start geben. Also schnell gucken ehe die Vampire dann wieder das romantische Glitzern anfangen…

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Originaltitel: Attack the Block
Herstellungsland: Großbritannien 2011
Regie & Buch: Joe Cornish
Darsteller: John Boyega, Nick Frost, Jodie Whittaker, Luke Treadaway, Flaminia Cinque, Joey Ansah, Lee Nicholas Harris, Chris Wilson
4 out of 5 stars

Ein ganz normaler Abend für die Gang vom Block. Auf den ersten Blick sind Moses (John Boyega) und seine jugendlichen Freunde typische Hoodies, jene Unterschichtskids, die als Schreckgespenst des Normalbürgers für Angst sorgen. Sie überfallen die Junge Krankenschwester Sam (Jodie Whittacker) als ihnen ein angriffslustiges Mini-Alien vor die Füsse fällt, das mit einem Meteor auf die Erde kam. Lange wird nicht gefackelt und das Vieh kalt gemacht, doch noch ehe die Jungs ihren Triumpg genießen können, bekommen sie es mit den größeren und schlechter gelaunten Verwandten des Aliens zu tun: Big Alien-Gorilla-Wolf Motherfuckers, die sie mit leuchtenden Zähnen attackieren und zum Rückzug in ihren Wohnblock zwingen, wo bald klar wird: Der einzige Weg zu überleben heißt kämpfen!

Joe Cornish macht ansonsten eher Comedy im TV und Radio, dreht Making of Videos für seine Kumpels Nick Frost und Simon Pegg oder schreibt Drehbücher wie zB das für den neuen Tim und Struppi-Film von Spielberg. Mit Attack the Block liefert er einen eindrucksvollen Debütfilm ab, der es schafft locker die anderen Alien-Invasion-Filme des Jahres alt aussehen zu lassen. Er ist rasanter als Battle L.A., blutiger als Cowboys & Aliens und authentischer als Super 8. Denn auch wenn er sich freizügig an großen Vorbildern wie Carpenters Assault on Precint 13, Critters, Gremlins orientiert wirkt er doch an keiner Stelle wie ein Zitatensammlung oder nostalgische Rückschau. Vom Setup erinnert Attack The Block an den unsäglichen Zombies vs Cops vs Gangster-Heuler “Die Horde” – doch zum Glück enden die Ähnlichkeiten dann auch schon wieder mit der Grundkonstellation der Belagerung einer Prekariats-Burg durch Monster, in diesem Falle Aliens. Denn im Gegensatz zu den Franzosen interessiert sich Joe Cornish in seinem Regiedebüt für seine Figuren und liefert, neben “F” den wohl besten Beitrag zum Subgenre des Hoodie-Horrors. Wo

Denn auch wenn die Jugendlichen Übeltäter hier anfänglich ebenso bedrohliche Juvies sind wie in den üblichen UK-Heulern, schaffen sie es im Laufe des Films zu glaubwürdigen und sympathischen Figuren zu werden, ohne dass ihre kriminellen Handlungen entschuldigt oder glorifiziert werden. Wo in Eden Lake, Harry Brown und Co. nur billige Angstklischees zitiert werden um schmutzige Selbstjustizphantasien zu rechtfertigen, macht sich Cornish die Mühe hinter die äußere Hülle zu sehen. Der Kunstgriff die Gang immer wieder mit ihrem Überfallsopfer zu konfrontieren, die keineswegs gewillt ist ihnen einfach so zu vergeben, macht die Läuterung Moses, der mit wenigen skizzenhaften Momenten glaubhaft als verlorenes Kind gezeichnet wird, am Ende glaubhaft und trotz des Pathos befriedigend. Natürlich ist es Zufall, dass der Film so kurz nach den jüngsten Londoner Riots startet, aber es fällt schwer nicht gewisse Parallelen zu sehen, zwischen den Kids aus dem Block und den frustrierten Plünderern aus den News, die so wenig vertrauen in ihr politisches System haben, dass sie nichtmal mehr protestieren. Materielle Teilhabe am Konsum und sei er auch gestohlen. Die Kids in Attack the Block sind keine niedlichen Kinder, mit goldenem Herzen, bei denen ein Wort reicht um sie zum Guten zu bekehren. Sie sind abgewichst, brutal, rotzig, notgeil, nicht gerade die Hellsten und doch letztlich Kids, die noch nicht verloren sind. Die Konfrontation mit den minimalistischen, überaus effektiven Monstern – die nicht alle Mitglieder der Bande unbeschadet überstehen – macht sie dann doch zu Sympathieträgern, weil wir erleben dass sie eben doch menschlich handeln.

Natürlich ist Attack the Block keine einfühlsame Sozialstudie a la Ken Loach, aber er ist das was gute B-Filme ausmacht: Mehr als er auf den ersten Blick scheint. Nick Frost, der seinem Kumpel Cornish zuliebe eine kleine Nebenrolle annahm und dennoch tatkräftig mithilft den Film zu promoten, sorgt für ein Großteil der Comic-Relief-Momente, wenn er zusammen mit dem verwöhnten Wohlstandsjungen zusammen kiffend auf der Couch hockt oder fabuliert woher die Aliens wohl kommen könnten. Die Stars sind dennoch eindeutig die unbekannten Jungdarsteller, deren Chemie von der ersten Minute glaubhaft ist. Im Original sprechen sie einen einprägsamen eigenen Slang, der zunächst wie unverständliches Kauderwelsch klingt aber nach kurzer Zeit verständlich wird – eine eigene Sprache, für die Kids vom Block, die in der Synchronisation natürlich auf der Strecke bleiben muss, genau wie ein Großteil der Authentizität.

Für gerade mal acht Millionen Pfund gedreht, hat sich Cornish mit diesem Film und seiner trefflichen Mischung aus Horror, trockenem Witz, originellen Bildern und Action wärmstens für weitere Werke empfohlen. Er beweist zudem wieder mal, dass gute Ideen (wie die simplen Aliens mit ihren creepigen Leuchtzähnen) mehr wert sind, als hollywoodscher Renderwahn.

So und jetzt geht ins Kino oder kauft euch die Blu-ray (die in den UK gerade herausgekommen ist).

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Und für alle die sich den Film im Original anschauen und mit dem Slang der Jugendlichen Probleme haben, hat RopesofSilicon ein praktisches Cheat-Sheet zusammengestellt, das ihr nach dem Klick sehen könnt.

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Outlaw Daniel Craig erwacht erwacht nahe eines Westernkaffs und kann sich nicht erinnern wer er ist oder was passierte. Ehe der örtliche Sherrifs ihn jedoch der Gerechtigkeit zuführen kann fallen Alienraumschiffe über den Ort her, entführen Menschen und richten Verwüstung an. Zusammen mit Rinderbaron Harrison Ford nimmt Craig den Kampf gegen die Alienschergen auf.

Erwarten Sie nix… dann werden Sie positiv überrascht. So ungefähr gings mir mit diesem Film, der letztlich doch ein “besser als erwartet” bekommt, weil die Western-Elemente tatsächlich ziemlich gut funktionieren, Daniel Craig hier im Gegensatz zur Bond-Rolle (in der er mit seiner physischen Raubautz-Art immer etwas wirkt wie der Klassenrowdy bei der Konfirmation) wirklich glänzend besetzt ist und glaubwürdig den zwilichtigen Helden gibt und auch die Supporting-Cast mit Sam Rockwell, Paul Dano und Keith Carradine stimmungsvoll überzeugt.
Obendrein ist der Film für ein PG13 ziemlich brutal und erinnert in einigen Szenen eher an seelige Zeiten des Italo-Westerns als die edlen Kuhtreiberfilme eines John Wayne.

Die Plotkonstruktion ist relativ simpel und nicht wirklich logisch, setzt sie die Aliens eher als Plotdevice, denn als wirkliche Gegner ein. Und auch der zweite Star, Alt-Indy Harrison Ford mag als rassitischer Despot nicht so ganz überzeugen und nimmt der Redemption-Storyline von vornherein jede Spannung, da Ford einfach zu knuffig sympathisch wirkt, als das man ihm wirklich abnehmen würde einen Menschen zu foltern und zu töten.

Noch schlimmer als Ford, der ja zumindest generell im Westernoutfit zuhause wirkt, ist jedoch das darstellerische Vakuum Olivia Wilde, die den ganzen Film spielt wie eine GNTM-Kandidatin auf Koks. Sie wirkt so blank und leer, als habe sie ihren gesamten Part vor der Greenscreen gespielt und komplett nichts mitbekommen, was um sie herum abgeht. Hatte ich zu Anfang des Films noch die Hoffnung, die sympathische und entfernt an Salma Hayek erinnernde Barkeeperin wäre die starke Frauenfigur des Films, brach diese Hoffnung mit Wildes Auftreten zusammen – und damit jegliches Interesse an ihrem Handlungsstrang, der ihre Darstellung auch dann nicht entschuldigt, wenn man die dusselige Plotwendung kennt, die ihre Figur umdefinieren soll.

Ebenso unnütz ist leider Legende von Aang-Star Noah Ringer, der hier zwar mit seinem breiten Akzent besser aufgehoben ist, aber dennoch außer großen Kulleraugen schauspielerisch wenig vorweisen kann und im Grunde für den Film relativ überflüssig ist.

Es bleibt ein gemischtes Vergnügen, das dann am Besten ist, wenn es sich auf Craigs Charme und typisches Westernfeeling verlässt und immer dann versagt, wenn es zu dramatisch, zu emotional und irgendwie logisch erscheinen will. Die Aliens spielen hier allerdings eh immer nur die zweite Geige und ein wenig bleibt der Verdacht, dass alle Beteiligten eigentlich doch wieder einen richtigen Western gedreht hätten, als diesen bizarren Hybriden, der unspannender wird, je mehr er versucht das zu enthüllen, was er für seine Geheimnisse hält – was im Grunde aber eh nur das ist, was sich jeder Zuschauer ab der ersten Szene gedacht hat.

Zum stumpfen Weggucken spassig und garantiert besser, wenn man so gar nichts erwartet. Was nach Ansicht des Trailers ja nicht so schwer sein dürfte.

Red State – USA 2011
4 out of 5 stars

Eine durchgeknallte Christensekte bestraft die verkommene Jugend der Kleinstadt indem sie sie umbringt. Als die jüngsten Opfer sich anfangen zu wehren, steht die Sekte bald unter Polizeibelagerung und macht sich bereit für das letzte Gefecht…

Smith Filme ausserhalb seines selbstgeschaffenen Askweniverse waren bislang eher ein zwispältiges Vergnügen. Im besten Falle waren sie “noch ganz okay” wie Zak und Miri, im schlimmsten Fall peinlicher Möchtegern-Mainstream wie “Jersey Girl” und “Cop Out”. Da war es natürlich, einen Horror-Film von Smith zumindest mit Verwunderung und einer gewissen Skepsis zu erwarten, selbst als Smith-Fan.
Umso befriedigender ist es festzustellen, dass “Red State” tatsächlich richtig gelungen ist. Smarter als gewöhnlicher Backwood-Horror, mit gewohnt guten Smith-Dialogen in denen er diesmal ungewohnt sardonisch textet, liefert er einen Film ab der politisch in alle Richtungen austeilt, das Waco-Fiasko ebenso wie die Phelps-Familie durch die Mangel dreht und sich mit erfrischender Rücksichtslosigkeit klaren Helden verweigert. Smith schafft es mehr als einmal zu überraschen und liefert mit der Sekten-Familie einen sehenswerten Einblick in geschlossene Weltbilder, das sehr viel differenzierter ist, als man es hätte erwarten dürfen.

Super – USA 2011
4.5 out of 5 stars

Loser Frank wird von seiner Frau verlassen und verliert endgültig den Halt: Er glaubt Gott hätte ihn ausgewählt als Superheld Crimson Bolt für Recht und Ordnung zu kämpfen. Zusammen mit dem verrückten Comicfan Libby als sein Sidekick Bolty und dem Schlachtruf “Shut up, Crime!” zieht er in den Krieg gegen das Böse.

Der Film der Kick-Ass hätte werden können, wenn die Macher mehr Eier gehabt hätten. Ein verdammt bitterer Schlag in den Magen, der von der erschreckenden Brutalität, der ungeschönten, unglamourisierten Gewalt und der deprimierenden Stimmung her irgendwo zwischen Taxi Driver und Observe & Report liegt.

Mit letzterem eint in auch der gekonnte Spagat zwischen tiefschwarzem Humor und niederschmetterndem Drama – was vielleicht auch sein Problem werden könnte, denn für die Fun-Zielgruppe die bei Superheldenfilmen abfeiern will ist der Film sicher zu düster und für die Arthaus-Crowd ist er dann vielleicht doch zu nerdig.

Was schade ist, denn James Gunn liefert nach Slither hier einen zweiten rundum gelungenen Film ab, der sich bewusst zwischen viele Stühle setzt, es schafft zu schockieren ohne pubertär zu sein und zugleich interessante Fragen aufwirft, die auch nach dem Film noch wiederhallen – wenn sich die Zuschauer darauf einlassen.

Rainn Wilson und Ellen Page liefern genau wie der wunderbare Kevin Bacon hier bewusst ambivalente Performances ab und schaffen es Figuren zu kreieren, die nie völlig sympathisch, aber immer überzeugend und interessant sind.

Bleibt zu hoffen, dass wir nicht zu lange auf den Deutschlandstart warten müssen.

Hesher – USA 2010
3.5 out of 5 stars

Vater und Sohn sind traumatisiert vom Unfalltod der Mutter. Während der Vater in völlige Apathie verfällt, der Sohn in der Schule drangsaliert wird, drängt sich der schrille Anarcho-Metallhead Hesher in ihr Leben, nistet sich bei ihnen ein und stellt alles auf den Kopf.

Ein blendend besetzter Film, der eine unglaublich morbide Stimmung verströmt. Der Tod der Mutter überschattet jede Szene und die Figuren sind komplett Unfähig positive Gefühle zu erleben. Sympathisch ist in Hesher wirklich niemand, nichtmal der kleine Sohn dessen grimmige Entschlossenheit pathologische Züge annimmt. Die Weigerung des Films, bis auf die letzten paar Minuten irgendeine Katharsis, irgendeine menschliche Wärme zuzulassen ist durchaus eine herausforderung für den Zuschauer, macht das Werk aber sehr eigenständig.
Natürlich macht Joseph-Gordon Levitts Figur eine Wandlung durch, aber sie passiert so langsam und erodierend, das er jede Erwartungshaltung die dem Genre innewohnt vor den Kopf stösst. Hesher verfällt nicht nach der Halbzeit dem Charme des Kindes und erkennt, dass er sich ändern muss – er bleibt über weite Strecken ruppig, brutal, gedankenlos und selbst als er beginnt Interesse zu entwickeln, sieht er sich der ebenso starken Ablehnung des Jungen gegenüber.

Kein Sirup, kein Kuschelkurs sonder Wut und Schmerz, die so bitter schmecken, das das Aufblitzen menschlicher Gefühle immer mal wieder überrascht. Das Konzept des Fremden der in eine Familie eindringt ist nicht neu, doch dieser Hesher ist näher an Takashi Miikes absurd-fatalistischem Visitor Q als an Entertaining Mr. Sloane. Spannend, aber auch anstrengend.

Stake Land – USA 2011
3.5 out of 5 stars

Die Welt wurde von zombiehaften Vampiren überrannt, die Zivilisation ist zusammengebrochen. Zusammen mit dem kryptischen Mister, schlägt sich ein Teenager in den Norden durch, in der Hoffnung auf ein besseres Leben.

Für gerade mal 6 Mio.$ überrascht Stake Land mit viel handwerklichem Geschick und teils beeindruckenden, apokalyptischen Bildern, die mit vielen Andeutungen glaubhaft das Bild eines Amerika in Anarchie illustrieren. Masken- und Ausstattung sind sparsam aber effektiv eingesetzt und auch die Besetzung, die gerade in den Nebenrollen von knorrigen Charakteren wimmelt, mag zu überzeugen. Leider wirkt der Film, der sich anfänglich nicht ganz entscheiden kann, ob er nun Zombieland-Coolness oder doch reine The Road-Depression sein will, streckendweise recht beliebig und unfokussiert.

Und während Nick Damici einen passablen Mickey Rourke-Look-A-Like abgibt und Mister mit konsequentem Minimalismus spielt, wirkt Gossip-Girl-Beau Conor Paolo doch etwas zu alt und “cool” für die Coming-of-Age-Rolle. Und irgendwie fehlt dem Road Trip, trotz sehr guter Episoden (hauptsächlich dann wenn Kelly McGillis dabei ist), eine straffere Dramaturgie. Figuren kommen und gehen recht beliebig ohne ernsthafte Auswirkungen auf die Handlung, ganze Passagen wirken untereinander austauschbar und der Hauptantagonist wirkt unterschrieben und schaut nur zu sporadisch vorbei, um tatsächlich etwas Zug in die Story zu bringen.

Das ist schade, denn an allen Ecken ist das Potential dieser Welt und auch des Vampirkonzepts spürbar, doch es bleibt alles zu viel Herumgeirre in Variation ähnlicher Szenen und zu wenig Entwicklung. Und ein Quentchen weniger nölige Weltuntergangs-Voice-Over und etwas mehr Humor täten dem Ganzen streckenweise ganz gut, denn für einen Film der sich so ernst nimmt, ist dann doch etwas wenig inhaltliche Substanz zu spüren. Trotzdem auf jeden Fall sehenswert und eine frische Brise im von Glitzervamps verseuchten Genre.

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