YouTube Direkt Kate Beckinsale Total Recall Interview

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Schöner Clip von Universal, die zu ihrem hundertsten Geburtstag ein paar Klassiker restaurieren und in diesem Video ein paar Einblicke in den Prozess geben. Restauriert werden im Laufe des Jahres: All Quiet on the Western Front, The Birds, Buck Privates, Dracula (1931), Dracula Spanish (1931), Frankenstein, Jaws, Schindler’s List, Out of Africa, Pillow Talk, Bride of Frankenstein, The Sting und To Kill a Mockingbird.

Außerdem haben sie sich ein Tumblelog zum Jubiläum angeschafft, auf dem sie unter anderem die Geschichte ihres Logos erzählen:

Legend has it that Carl Laemmle named the company after seeing a “Universal Pipe Fittings” truck pass by his New York office window. Though our name may have been inspired by a whim, today Universal is considered a pioneer in cinematic history. Our logo symbolizes the films we’ve created which have not only impacted millions, but also helped tell the story of filmmaking.

The Universal logo has gone on to change over the years since 1912. From the silent logo of UNIVERSAL FILMS encircling the globe…to the ‘droning propeller plane circling the globe’ that marked the arrival of sound…and finally, to today’s more modern and vivid Universe—the Universal logo has reflected the evolution of film.

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Erklärung aus der Freigabebegründung: “(…) behandelt der Film ein schwieriges Thema, welches für die Jüngsten der beantragten Zuschauergruppe, die sich in diesem Alter in der sexuellen Orientierungsphase befinden, sehr belastbar sein könnte. Das Thema selbst ist schon schwierig für 12 bis 13jr und die Schilderung einer völlig einseitigen Welt von Homosexualität im Film könnte hier zu einer Desorientierung in der sexuellen Selbstfindung führen. Die explizite Darstellung von schwulen und lesbischen Jugendlichen und deren häufige Partnerwechsel können verwirrend auf junge Zuschauer wirken, auch wenn der Film auf der Bildebene nicht schamverletztend ist und niemanden diffamiert. Der Film spiegelt eine verzerrte Realität wider, die Kinder auf Grund keiner oder zu geringer Erfahrung nicht erkennen können.”

WTF? Wenn Til Schweiger massenweise Tussis flachlegt, in Hangover 1 und 2 asoziales Verhalten glorifiziert und unsafer Sex propagiert wird, in Twilight Bella sich mit Vampiren und Werwölfen paart und bei der Geburt beinah zerfetzt wird ist das alles schnieke, aber wenn queere Jugendliche gezeigt werden die sich ebenso benehmen wie Jugendliche es tun, dann ist das desorientierend und verwirrend? Liebe FSK, es wirkt leider eher als wenn ihr euch immer noch nicht mit der Realität angefreundet habt. Wie wäre es wenn ihr einfach schreibt: Wir glauben der Film ist gefährlich, weil er Kinder schwul oder lesbisch machen kann! Das wäre derselbe Unsinn wie das da oben. Nur ehrlicher.

Wirklich, es geht mit nicht darum, ob sich 12jr den Film ansehen wollen – sondern nur darum, dass hier mal wieder auf ekelige Weise mit zweierlei Maß gemessen wird. Große Mainstream-Filme kriegen ihre FSK12-Wertung, egal wie derb sie sind und egal wie sozial fragwürdig das dort gezeigte Verhalten ist (was ich auch okay finde, denn ich denke 12jr kommen damit durchaus klar) und kleine Verleiher werden mit ihren Filmen abgewatscht und bekommen die kaum verschleierte Homophobie in der Urteilsbegründung reingedrückt.

Just one of many things that is oh so wrong mit dem deutschen Jugendschutz…

[via: Salzgeber-Facebook-Seite]

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Wie letzte Woche angekündigt, habe ich mich in geiler Mission auf das sechste Pornfilmfestival in Berlin begeben und mir dort zum ersten Mal Eindrücke vom Flutschfilm-Dauerbetrieb und seinem Publikum verschafft. Klares Fazit nach fünf Tagen: Alles sexy.

Als aufgeschlossene Versammlung, die den Pornographie-Begriff von seinen negativen Konnotationen, ideologischen Fesseln und abgehangenen Klischees zu befreien versucht, hält das Pornfilmfestival dem Abgleich von Zielsetzung und Durchführung vorbildlich stand: Aus aller Welt kommen hier die Filmschaffenden, die Produzenten, Regisseure und Schauspieler, und mit ihnen ein neugieriges Publikum, das sich vom notgeilen Sexmief vergleichbarer öffentlicher Veranstaltungen kaum stärker unterscheiden könnte.

Vom bildungsbürgerlichen Rentnerpärchen bis zur aufgetakelten Prosecco-Schwuppe, von der halbnackten Butch-Lesbe bis zum cinephilen Filmstudenten – wahrgenommen habe zumindest ich dort Zuschauer aller Couleur. Ihnen geht es um Sex in Filmen, die interessantere Ansätze wählen als der fabrikfertige Porno aus der Videothek um die Ecke, und natürlich auch um Meinungsaustausch, um Kontakte, ums Feiern. Selbstverständlich nämlich ist das Pornfilmfestival auch ein sehr buntes Vergnügen auf den vom Kino ausgelagerten Parties rund um den Festivalbetrieb.

Mit einem Programm, das vom zweieinhalbstündigen Mainstream-Porno mit Sasha Grey bis zum No-Budget-Experimentalkurzfilm reicht, mit Menschen, die Pornographie nicht zuerst in heterosexuell, schwul-lesbisch oder Transgender unterteilen, und mit diskussionsfreudiger Leidenschaft zum Diskurs über Sex im Film empfiehlt sich das Pornfilmfestival als unbedingte Alternative zu Venus und Konsorten. Zu guter Letzt noch ein ganz unbefangenes Lob an die Veranstalter und Mithelfer im Allgemeinen, die sich beispiellos für ihre Besucher und Gäste engagiert haben, und an Jochen Werner im Besonderen.

Minireviews zu einigen von mir gesehenen Filmen:

Man at Bath (F 2010, Christophe Honoré)
3 out of 5 stars

Eröffnungsfilm des sechsten Pornfilmfestivals Berlin von Autor und Regisseur Christophe Honoré, der einem größeren Publikum spätestens seit seiner umwerfenden Jacques-Demy-Hommage “Les chansons d’amour” (Chanson der Liebe) bekannt sein dürfte. Honoré inszeniert in “Homme au bain” (Man at Bath) das Ende einer schwulen Liebesbeziehung als parallele Bewältigungsphase, in der zwei Männer den Verlust des jeweils anderen zu verarbeiten suchen. Ohne konkrete Anhaltspunkte zu geben, konzentriert sich der Film fragmentarisch auf bestimmte Situationen aus Gegenwart und Vergangenheit, die Raum für Spekulationen sowohl über seine Figuren, als auch die Spuren einer vergangenen Liebe schaffen. Diese ganz spezifische Beschreibung eines Zustands der Trennung ist teils entzückend wirklich, und manchmal auch arg profan. Am Interessantesten wird Honorés Film dann, wenn Hauptdarsteller und Porno-Superstar François Sagat augenzwinkernd, aber auch bitterernst sein nahezu unnatürlich maskulines Image reflektiert. In einer der eindrucksvollsten Szenen heißt es, sein Körper sei wie Kunst, “schlechte Kunst” jedoch. So nackt wie in diesem Moment hat man François Sagat noch nie gesehen.

Blackmail Boys (USA 2011, The Shumanski Brothers)
1.5 out of 5 stars

Knapp zwei Jahre nach ihrem Debütfilm “Wrecked” melden sich die Shumanski-Brüder mit einem weiteren Coming-of-Age-Drama zurück. Die Mischung aus queerer Romanze und Thriller trifft zunächst ein paar hübsche Töne, ehe sich balladeske Stimmung und reinster Schwachsinn die Klinke in die Hand geben. “Blackmail Boys” versteht es geradezu verblüffend, eine an und für sich interessante Geschichte – Boyfriend A stiftet seinen als Stricher arbeitenden Boyfriend B an, dessen prominenten Freier mit einem Sexvideo zu erpressen – auf die konsequent uninteressanteste Art zu erzählen. Am Umstand, dass ebenjener Freier ein fundamentalistischer Christ ist, der in Büchern und Radioshows gegen Schwule wettert, zeigt der Film nur in Hinblick auf seine Titelprämisse Interesse. Am Ende verheizen die Shumanskis ihre Figuren auf beispiellose Art, während sich der in ganz nettem DV-Ambiente präsentierte Schmu mit gleich dreifachem Voice-Over auf der Bild- und Tonebene direkt ins eigene Aus kleistert. Einziger Lichtblick: Das blankziehende Mumblecore-Aushängeschild Joe Swanberg in der Rolle einer unangenehmen Schrankschwuchtel, die sich als Autor von Büchern wie “Accept Jesus’ Friend Request” selbst verleugnet. Zu schade, dass der Film nichts mit ihm anzufangen weiß.

Madame X (RI 2010, Lucky Kuswandi)
4 out of 5 stars

Ein indonesischer Transvestiten-Superheldenfilm über einen Drag-Friseur, der im Lady-Gaga-Outfit, mit gezielten Dance Moves und magischen Wurfmessern bewaffnet, einer homophoben militanten Untergrundorganisation den Garaus macht. Was nach handelsüblichem Indonesia-Trash vergangener Tage klingt, ist der wohl spielerischste und amüsanteste Film des diesjährigen Pornfilmfestivals – eine bis ins Mark queere, anarchistische und obendrein entzückend liebenswürdige Komödie voller Camp und Pomp. Mit “Madame X” erweitert Regisseur Lucky Kuswandi die Reihe der unbeholfenen Normalo-Superhelden der Neuzeit um eine durchgeknallte Drag-Queen. Als Quasi-Ergänzung des momentan angesagten Trends superkräfteloser Superhelden erweitert der Film die jüngeren Blickrichtungen innerhalb der “neuen” Comicästhetik nicht nur um eine queere Perspektive, sondern setzt natürlich auch stechende Duftmarken mit seinen Verweisen auf ganz reale gesellschaftspolitische Entwicklungen in Indonesien. Und wie Kuswandi auf sympathischste Art im Interview erzählte, habe man den Film nur deshalb durch die strenge Zensur bekommen (und einen landesweiten Kinostart erzielen können), weil die zahlreichen der schwulen Szene entsprungenen Insiderwitze und englischen Dialogfetzen dort gar nicht verstanden worden seien. “Madame X” ist also nicht nur irrsinnig komisch, sondern sogar ein bisschen subversiv. Geheimtipp!

Blind Love (J 2005, Daisuke Gotô)
2.5 out of 5 stars

Sympathische Pink-Eiga-Komödie von Daisuke Gotô (“A Lonely Cow Weeps at Dawn”) mit freilich recht zweckdienlichen Sexeinlagen und einem wunderbar skurrilen Plot, der reich ist an aberwitzigen Situationen und ulkigen Figuren. Im Mittelpunkt von “Blind Love” (OT: Waisetsu sutêji: Nando mo tsukkonde), der in Japan bereits 2005 veröffentlicht wurde, steht eine widerwillige Dreiecksbeziehung zwischen zwei Männern und einer blinden Frau, die keinen Schimmer davon hat, dass die Stimme ihres Geliebten gar nicht zu dessen Körper gehört. Diese Konstellation generiert einigen amüsanten Slapstick, für den man natürlich am offensichtlichen Quatsch eher vorbeischmunzeln muss. Gewöhnungsbedürftig und mit Sicherheit nicht jedermanns Geschmack dürfte da schon vielmehr die teils arg schräge Kombination aus melancholischen Anklängen und hemmungslosem Klamauk sein, die innerhalb einer einzigen Szene zu heftigen Brüchen in der Tonlage führt. Unterm Strich ein vergnüglicher und Pink-typisch knapper Spaß mit ebenso kurzer Lauf- wie Halbwertszeit.

Fucking Different XXX (D 2011, Diverse)
2 out of 5 stars

Weiterführung des bisher streng auf einzelne Metropolen beschränkten “Fucking Different”-Projekts, das erotische Kurzfilmepisoden von Regisseuren aus einer jeweils gleichen Stadt kombinierte (Berlin, New York und Tel Aviv). “Fucking Different XXX” nun versammelt erstmals acht international bekannte Szene-FilmemacherInnen, die ganz persönliche Beiträge von einem Ort ihrer Wahl beisteuern. Die Konzepterweiterung sieht außerdem – der Titel kündigt es an – ausgedehnten Hardcore vor, gefilmt aus der Perspektive des anderen Geschlechts. So begleitet zum Beispiel Todd Verow (“Frisk”) Lesben-Cruising in Paris, während Maria Beatty (“Post Apocalyptic Cowgirls”) ihre Camp-Version von Abel und Kain in einem New Yorker Schwulenclub inszeniert. Die insgesamt acht Beiträge schwanken von amüsant bis unansehnlich, von einfallsreich bis erschreckend lustlos – und in der Summe ermüden die überwiegend schnell herunter gekurbelten Episoden in ihrer leider handelsüblichen Pornoeintönigkeit mehr, als dass sie halbwegs unterhalten. Interessantes Konzept, enttäuschende Ausführung.

The Terrorists (T 2011, Thunska Pansittivorakul)
4 out of 5 stars

Rothemden, Gelbhemden, Fische im Wasser – ein Filmessay von Thunska Pansittivorakul. “One man’s terrorist is another man’s freedom fighter.”, und dann wird quer geschnitten durch das Antlitz des Terrors nach dem Massaker in Bangkok. Als Bestandsaufnahme kollektiven Leids, als unsichere Suche nach Zusammenhängen, als schlichter Ausdruck von Machtlosigkeit und Trauer ist “Poo kor karn rai” (The Terrorists) nichts außer be- und erdrückend, im steten Aphorismus seiner Bilder aber auch unendlich beeindruckend. Vom Politischen ins Private und vom Begrifflichen ins Anschauliche schillert Pansittivorakul zwischen dokumentarischer Abbildung und experimenteller Inszenierung im Strom gegensätzlicher Szenen, Orte und Eindrücke. Fragmentarisch bleiben die Bilder, lose die Verbindungen. Wenn Pansittivorakul in Off-Texten die Wunden einer traumatisierten Gesellschaft an die Hinwendung zum Körper bindet und Verbrechen der Obrigkeit mit erigierten Schwänzen verknüpft, übermitteln seine Anblicke radikal wie nachhaltig jenes Gefühl von Zwiespalt, das den Verlust von Einflussnahme und Übersicht mit dem einfachen Bedürfnis nach Empfindsamkeit beantwortet. Schwierig, diskutabel und alles, was Film nur ausdrücken kann. Fische im Wasser, der Letzte macht das Licht aus.

Die Jungs vom Bahnhof Zoo (D 2011, Rosa von Praunheim)
3.5 out of 5 stars

Rosa von Praunheim, einst Regisseur zahlreichen schwulen Ulks, Mediendiva über Gebühr und öffentlicher Outing-Nötiger, gehört ja nun schon seit einiger Zeit zu den interessantesten Dokumentarfilmern Deutschlands. Seine Milieustudien und teils auch hochpersönlichen Arbeiten laufen längst nicht mehr nur pflichtschuldig, sondern wegen ihrer großen Sorgfalt in der Erstellung von Einblicken in Subkulturen, Szenenischen und Zwischenräume des Alltags auf sämtlichen hiesigen Festivals. “Die Jungs vom Bahnhof Zoo”, co-produziert vom NDR und rbb, schildert die Entwicklung von Strichern und Callboys in Berlin seit dem Fall der Mauer. Fünf von ihnen begleitet Praunheim, lauscht ihren unterschiedlichen Geschichten und lässt außerdem Freier, Barkeeper und Sozialarbeiter zu Wort kommen. Mit größter Zurückhaltung und fast teilnahmslos dokumentiert der Film Schicksale – selten fragt Praunheim in den Gesprächen nach, nie bohrt er in der Vergangenheit seiner Protagonisten. Gewohnt souverän gelingt es ihm damit, durch Zusammenführung und Montage mehr über die von ihm interviewten Menschen zu zeigen, als diese in den Gesprächen artikulieren wollen und vielleicht auch können. Dank der besonderen Unterschiedlichkeit aller Protagonisten in ihren Lebenswegen, Motivationen und Schlussfolgerungen entwirft der Film ein vielfältiges und komplexes Bild über ein Thema, das anderswo nach wie vor von viel zu vielen Klischees bestimmt wird.

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Terra Nova – USA 2011
Erster Eindruck: 2.5 out of 5 stars

Irgendwann in der Zukunft, die Menschheit hat die Erde verseucht. Die einzige Hoffnung auf einen Neuanfang liegt in der Vergangenheit. Mit einer Zeitmaschine werden Siedler in die Zeit der Dinosaurier (in einen parallelen Zeitstrahl um den Butterfly Effect zu vermeiden) zurückgeschickt um dort eine neue Kolonie aufzubauen.

Natürlich ist Spielberg schon lange kein Gütesiegel für erstklassige Unterhaltung mehr, doch zumindest im Kino hat er immer wieder seine lichten Momente und selbst mittelmässige Filme haben ihre coolen Szenen, die das Ansehen lohnen. Als TV-Produzent hat er leider oft ins Klo gegriffen. Das “United States of Tara” so gut war, lag wohl auch eher an Diablo Cody, als an Steven, der wenn man ihn alleine machen lässt seit Jahren nur Bildschirm-Schrott wie SeaQuestDSV, Taken oder das überproduzierte und unter-originell Twilight-Zone-Rip-Off “Amazing Stories” hervorbrachte. Zuletzt enttäuschte Falling Skies als Alien-Invasion-Serie – die hauptsächlich deshabel überraschte, weil ihr Budget anscheinend von Folge zu Folge kleiner wurde, bis das Season-Finale die Endscheidungsschlacht dann sogar im Off stattfinden ließ. Ein Schicksal das dieser Jurassic Park meets Swiss Family Robinson-Serie, deren Pilot angeblich alleine über 10 Millionen gekostet haben soll, auch drohen könnte. Denn die Stories sind noch abgeschmackter, sülziger und altbackener als bei Falling Skies und die Trickeffekte sehen 20 Jahre nach Jurassic Park stellenweise aus, wie von Asylum geborgt. Dafür das ernsthaft hohes Drama angepeilt wird, bleiben die Figuren in den ersten drei Folgen sehr dünn gezeichnet und an keiner Stelle blitzt der Spaß auf, den man von einer Serie die eine derart hanebüchene Prämisse hat, eigentlich erwarten würde.

Während bei Primeval, das mit einem Bruchteil des Budgets seine Spektakel inszenieren muss, trotz trashigem Charme und cheesigen Momenten immer der Spaß überwiegt, sich die Ereignisse überschlagen und die Figuren zum Mitfiebern einladen, zieht sich Terra Nova bislang sämig in die Länge und erzählt sein nichts von Story in Tropfstein-Geschwindigkeit. Die Familie ist stinklangweilig und wäre nicht Stephen Lang als knarziger Chef der Siedler und Christine Adams als Anführerin der Rebellen, gäbe es kaum Momente die das anschauen lohnen – am wenigsten die mit den Sauriern.

Torchwood: Miracle Day UK/USA 2011
4.5 out of 5 stars

Auf einen Schlag stirbt niemand mehr. Weltweit. Menschen bleiben verletzt und krank, doch egal wie schlecht es ihnen geht: Sie sterben nicht mehr. Was anfänglich als Wunder angesehen wird, entwickelt sich bald zum globalen Problem und Fall für die Reste von Torchwood, denn das Wunder hängt irgendwie mit Captain Jack Harkness
zusammen, der als einziger Mensch plötzlich sterblich ist.

Es gibt tatsächlich noch Wunder. Während Moffat Doctor Who zu einer peinlichen, billig-aussehenden Travestie werden lässt, zeigt RTD wie man es richtig macht. Mit deutlich höherem Budget und in Zusammenarbeit mit dem USA-Sender Starz schafft er es eine fulminante, nachdenkliche, spannende und immer wieder überraschende Staffel von Torchwood zu produzieren. Die Angst, dass die Serie ihren britischen Touch verlieren könnte, war zum Glück unbegründet – sie fühlt sich immer noch sehr nach BBC an, auch wenn sie in weiten Teilen in den USA spielt und die Cast US-Verstärkung erhielt. RTDs Erzählweise war vielleicht immer schon eher amerikanisch inspiriert, deswegen fügt sich die neue Story mit ihren multiplen Handlungsorten auch letztlich zu einem befriedigenden großen Ganzen zusammen. Auch wenn ein-zwei Folgen etwas schwächeln und als Detour dienen um auf 10 Episoden zu kommen (z.B. Die Heist-Folge oder die Flashback-Folge mit Jacks Ex-Geliebtem), bleibt ein faszinierendes TV-Erlebnis, das viele provozierende Fragen stellt.

RTD-typisch geht es natürlich auch immer wieder um das große Ganze, die ganz großen Gefühle, Konflikte und das Ende der Welt – doch dank des starken Ensembles, schillernder Gegner und ambivalenter Figuren (ein verstörend-guter Bill Pullman als pädophiler Kindermörder Owald Danes, Lauren Ambrose als PR-Frau from Hell) funktionieren sogar die schwächeren Episoden noch verdammt gut und schaffen es über die gesamte Laufzeit bei der Stange zu halten und zum Schluss ein neues, verändertes Torchwood-Team zu präsentieren, auf dessen weitere Abenteuer ich ziemlich gespannt bin.

Ringer – USA 2011
Erster Eindruck: 3 out of 5 stars

Buffy is back. Bzw. Sarah-Michelle Gellar die in dieser Serie ein Zwillingspärchen spielt. Zwei Schwestern, die sich lange voneinander entfremdet haben. Als die eine bei einem Bootsunfall stirbt, ergreift die andere die Chance ihr verkorkstes Leben gegen das der Schwester zu tauschen…

Die Prämisse ist nicht so originell, wird allerdings ziemlich rasant umgesetzt. Ringer scheint zumindest einen Plan zu haben, wie die verschiedenen Mysterien aufgeklärt werden, die in den ersten Folgen auftreten und Gellar macht ihre Sache auch ziemlich gut, ebenso wie der Rest der Cast. Das Wechselspiel zwischen Screwball-Momenten und spannendem Drama und Thriller funktioniert ebenfalls nicht schlecht, auch wenn der letzte Funke zum wirklichen Must-Watch noch fehlt. Bisher liefert Ringer aber solide Serienunterhaltung ab und ich werde mal dabei bleiben und schauen, wie sich das ganze weiter entwickelt.

An Idiot abroad – UK 2010/11
4.5 out of 5 stars

Karl Pilkington wird von SKY ausgesandt um als Idiot auf Reisen die Wunder dieser Erde zu sehen (bzw. in Staffel 2 die Dinge zu erleben, die man im Leben gemacht haben sollte, ehe man stirbt). Als Natural Born Moaner der am liebsten nur seine Ruhe möchte, ist Karl natürlich prädestiniert dafür, von der Welt angenervt zu werden…

Ricky Gervais und Stephen Merchant sind die geborenen Sadisten. Die diebische Freude die sie verspüren, wenn sie ihren Kumpel Karl Pilkington rund um die Welt hetzen um ihn aus seiner Comfort-Zone zu bringen, ist teilweise schon etwas heftig. Umso mehr Spaß macht es dann Karl bei seinen Trips zu beobachten, wenn man ihn mit Weltwundern und fremden Kulturen konfrontiert. Und auch wenn der Titel es plakativ behauptet: Karl ist kein Idiot, denn in seinen Rants ist oft erstaunlich viel Wahrheit enthalten. Er traut sich auszusprechen, was jene die mit ehrfurchtsvollem Blick durch die Welt reisen, wohl nichtmal zu denken wagen. Dabei ist er nie bösartig oder herablassend gegenüber den Menschen auf die er trifft, sein Blick ist oft der eines Kindes, das überrascht und verblüfft reagiert, wenn die Dinge ihm zu fremdartig vorkommen. Karl bringt ein Level von Realität in das verstaube Reisereportage-Genre und erzeugt letztlich mehr Verständis für andere Kulturen, als es die üblichen Bildungsbürger Unterwegs zu vermitteln in der Lage sind.

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Hinter der Fassade des Genrefieslings, wie ihn Hess außerdem auch u.a. in Ruggero Deodatos “Der Schlitzer” verkörperte, verbarg sich jedoch ein in Interviews und auf Conventions stets zuvorkommender, gutmütiger und sympathischer Schauspieler, Regisseur, Musiker und Komponist, der mit viel Elan über seine Arbeit sprach.

Hess feierte als Musiker große Erfolge, schrieb zahlreiche Hits für Elvis Presley, Sal Mineo oder Pat Boone, und steuerte Songs zu Filmen wie Eli Roths “Cabin Fever” bei. Sein berühmter Soundtrack zu “Last House on the Left” ist eine der schönsten Musiken der Horrorfilmgeschichte. Zu den unterschiedlichsten Jobs in Hess’ Karriere zählten auch eine Stelle als A&R bei Mercury Records oder Aufträge als Scriptübersetzer u.a. für Rainer Werner Fassbinder. Er arbeitete außerdem fürs Fernsehen, wo er in Serien wie “Ein Colt für alle Fälle”, “Knight Rider” oder “The A-Team” Gastauftritte absolvierte.

Wie Tim Lucas erst vor wenigen Stunden berichtete, ist David Alexander Hess vergangene Woche im Alter von 69 Jahren gestorben.

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Und für alle die sich den Film im Original anschauen und mit dem Slang der Jugendlichen Probleme haben, hat RopesofSilicon ein praktisches Cheat-Sheet zusammengestellt, das ihr nach dem Klick sehen könnt.

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Bemerkenswert gespieltes Liebesmelodram, im Wesentlichen dem Duktus des US-amerikanischen Independent-Kinos verpflichtet (Shaky Cam, grober Schnitt, symbolbehaftete Alltagsbilder), zuweilen eindrucksvoll in der Verzahnung seiner Zeitebenen. Inhaltlich fällt Regisseur Derek Cianfrance hingegen nicht viel mehr ein, als lediglich heterosexuelle Beziehungsstandards anzuhäufen und diese dem kommoden Verlauf einer unglückseligen Liebe entsprechend aufzureihen: Zwischen himmelhoch jauchzend und zu Tode betrübt turteln, vögeln und entzweien sich Ryan Gosling und Michelle Williams bis zum bitteren Ende in einer auf Ultrarealismus kupierten Geschichte “wie aus dem Leben”. Das ist wenig profund und weitgehend belanglos, genauso wie sicherlich vollkommen unproblematisch und legitim – wirft dann aber gleichwohl die Frage auf, warum es eben nun ausgerechnet auch noch dieses einhunderttausendste Beziehungsdrama überforderter Endzwanziger gebraucht hat. In der Art, wie sich “Blue Valentine” gegenüber seinen Figuren positioniert (genervte Zicke vs. liebebedürftiger Verlierer), erscheint der Film überdies mitunter unangenehm befangen.

Film Socialisme (F 2010)
3 out of 5 stars

Fragmentarisch, essayistisch, assoziativ, dialektisch und leicht senil, irgendwas davon wird schon stimmen. Eindrucksvoll montiert ist er ja, Jean-Luc Godards erhabener Gedankenstrom in 16:9, HD und überaus faszinierend gemischtem 5.1-Ton. Und in gewisser Hinsicht hat das geballte Thesendreschen den Anstrich einer harmonischen Paarung all der emotionalen und intellektuellen Manierismen Godards als Abschlusscollage, aus der man vieles schon kennt, die Haltung zu den Juden in Hollywood genauso wie den Hang zum Kulturpessimismus (“Quo vadis Europa”). Nicht zuletzt unter dem Gesichtspunkt, dass “Film Socialisme” womöglich die letzte Arbeit des Regisseurs bleiben wird, hinterlassen deren radikale Mosaike einen bestimmten Eindruck: Dies ist vielleicht der konsequenteste Godard-Film, den Godard noch hätte drehen können. Danach kann, danach muss Schluss sein. “NO COMMENT”.

Midnight in Paris (USA/S 2011)
1.5 out of 5 stars

Nach großzügigem Cannes-Buzz, begeisterten Feuilletonarien und sogar klingelnden Kinokassen versprach “Midnight in Paris” einen Woody Allen in alter Form, bestenfalls sogar in Tradition seiner filmreflexiven Vergnüglichkeiten à la “Purple Rose of Cairo”. Erwartung vergebens. Auch im alten Europa, das Allen zuletzt noch einmal zu später Frische anregte (so frisch ein Film von ihm eben sein kann), haben nun erneut Altherrenulk und formale Lethargie den Regisseur fest in ihrer Hand. Mit der Idee, Owen Wilson als Woodys Alter Ego auf berühmte historische Persönlichkeiten aus Kunst, Musik und Literatur treffen zu lassen, weiß der Film nichts anzufangen. Statt einen künstlerisch diskursiven Dialog zwischen Gegenwart und Vergangenheit zu eröffnen, betreibt Allen ausschließlich Namedropping. Übrig bleibt ein einziger Leerlauf zwischen Paris-Postkartenstrecke und “gewitzten” Beziehungsproblemchen – eine müde pointierte, betagte Komödie für Bildungsbürger jedweder Couleur, in der es wieder einmal um rein gar nichts geht.

Herzensbrecher (OT: Les amours imaginaires, CDN 2010)
2 out of 5 stars

Herzensbrecher, oder: Wie drehe ich einen Nahaufnahmenfilm über das Verlangen nach Liebe. Ästhetizistisch schwul bis Anschlag, Dauerkniefälle vor der Nouvelle Vague, Song-Montagen noch und nöcher. Und im Leben im geht’s oft her wie in einem Film von Rohmer, zumindest wenn man den verlaberten Nichtproblemen aller Figuren Glauben schenken darf. In der Konstruktion einer Ménage à trois aus Eifersüchteleien, Sehnsüchten und Identitätsdurcheinander ähnlich Bernardo Bertoluccis “The Dreamers” oder Christophe Honorés “Les Chansons d’amour”, deren Hauptdarsteller Louis Garrel hier einen Cameo als Spiegelbild des obskuren Objekts der Begierde absolviert. Da Xavier Dolan, der den Film geschrieben, inszeniert, produziert, geschnitten und teilausgestattet hat (die Hauptrolle übernahm er freilich auch noch), mit seinen gerade mal 21 Jahren so eine verdammt geile Sau ist, haben die Boys und Girls hier immer was zu gucken. Erträglich wird dieses unverhältnismäßig exponierte Slow-Mo-Klagelied übersättigter Hipster-Twentysomethings deshalb zwar noch nicht, mit Dolans zusammengeklaubter narzisstischer Bildsprache weht derzeit aber bezeichnenderweise wohl trotzdem der frischste Wind durchs Queer Cinema.

The Woman (USA 2011)
4 out of 5 stars

Ein rohes Stück Film, das von Regisseur Lucky McKee und Horrorautor Jack Ketchum zunächst als Quasi-Sequel zu Andrew van den Houtens “Offspring” konzipiert wurde, schlussendlich aber lediglich dessen Sujet vom unzivilisierten Menschen erneut aufgreift, um es zu einem bitterbösen und tiefschwarzen Schocker neu zu verarbeiten. Im Kern erweist sich “The Woman” trotz vordergründiger Zugeständnisse an die von Suspense gelenkte Dramaturgie des Thrillers als gleichsam pervertiertes Melodram über die Stellung des Patriarchen in heutigen Mittelstandsfamilien. McKee, der hier nach seinem unterschätzten Horrordrama “May” (sowie “The Woods” und “Sick Girl”) erneut mit Angela Bettis zusammenarbeitet, inszeniert diesen Alptraum von einem Film mit einer fast beiläufigen Gelassenheit, die schnell die alles andere als unauffälligen oder schmucklosen Kabinettstückchen – und auch die komischen Elemente – seiner Regie übersehen lässt. Dass “The Woman” einige ungemein spannende theoretische Fragen über Gesellschaftsordnung im Allgemeinen und Geschlechterrollen im Besonderen verhandelt, darf schon nach einmaliger Sichtung zurecht vermutet werden – blickgetrübt letztlich durch einen grotesk-genialen Schlussakt, der jeden Ansatz vom Kopf weg in Mark und Bein verlagert.

Cold Fish (OT: Tsumetai nettaigyo, J 2010)
0.5 out of 5 stars

Gebündelter Schwachsinn von Japans angeblichem Regiewunderkind Sion Sono, das bisher mit stilistisch aufregenden, gern aber auch übersättigten und zuweilen zynisch-dümmlichen Filmen weltweit die Herzen der Cinephilen eroberte. “Cold Fish”, geboren aus der krankhaften Idee, Menschen so lange erniedrigen zu müssen, bis diese einmal über sich selbst hinauszuwachsen imstande sind (“Life is pain.”… so, so), ist psychologisch hanebüchener Mumpitz im üblichem Provokationsgestus, hinter dessen vordergründiger Kunstbeflissenheit sich einzig Stumpfsinn und Idiotie verschanzt haben. Die allein auf perverse menschliche Konflikte ausgerichtete Geschichte und ihre entsprechend spastische Inszenierung sind nichts außer widerwärtig und argumentieren stets über obszöne Gewalttätigkeiten, die in keinem Verhältnis zu einem erkennbaren, annähernd geistvollen Konzept oder Interesse an irgendeiner Form von Menschlichkeit stehen. Eine filmische Abart für Minder- bemittelte, 150 Minuten Gleichgültigkeit. Dieser Sono kann mich mal kreuzweise.

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Das schreibt die Titanic in ihrer aktuellen Ausgabe und adaptiert damit Craig Fergusons “In Your Pants”-Gag. Im Deutschen funktioniert der Witz nicht weniger, im Gegenteil. Beispiele, zusammengetragen aus heutigen Facebook-Random-Postings:

- Eine offene Rechnung in meiner Unterhose
- Aus der Mitte entspringt ein Fluss in meiner Unterhose
- Die letzte Vorstellung in meiner Unterhose
- Liebling, jetzt haben wir ein Riesenbaby in meiner Unterhose
- Die unendliche Geschichte in meiner Unterhose
- Der letzte Exorzismus in meiner Unterhose
- Das große Krabbeln in meiner Unterhose
- Er steht einfach nicht auf Dich in meiner Unterhose
- Sie tötete in Ekstase in meiner Unterhose
- Fast & Furious – Neues Modell. Original Teile. In meiner Unterhose.
- Ein Quantum Trost in meiner Unterhose
- The Rock – Fels der Entscheidung in meiner Unterhose
- Maria, ihm schmeckt’s nicht in meiner Unterhose
…

(Danke an meine kreativen FB-Nerds!)

Wenn Euch noch lustige weitere Beispiele einfallen, immer her damit (gern auch variiert)!

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ich bin niemand, der gerne und immer und ungehemmt jederzeit Werbung für sich oder seine Prokete macht. Aber diesmal ist es mehr als angebracht. Ich habe mit einer fantastischen Redaktion (aus dem Qualitätsstall “Strandgut”, die unter Anderem für “MTV Home” verantwortlich sind/waren) und meinem kongenialen Partner Donnie O´Sullivan eine ganz wunderbare Sendung gemacht, die auf den Namen “Moviacs” hört.

Dabei handelt es sich um ein Kinomagazin, dessen erstes und oberstes Gebot ist: Lasst uns Filme wieder lieben. Auch die beschissenen.

Viel zu lange schon ist das deutsche Fernsehen eine Wüstenlandschaft, was ein cooles, interesantes und lustiges Filmmagazin betrifft. Ich glaube das letzte, ernstzunehmende, an das ich mich erinnern kann, war “Zelluloid” auf Viva2 bzw. dann “Film ab!” auf Viva, jeweils mit Simon Goosejohan. Das waren noch Sendungen von Menschen, die wussten, das Han zuerst geschossen hat.

Und heute? Entweder gähnende Langeweile in feuilletonistischen Kinosendungen der dritten Programme, wo bedingungsloses Arthausfandom immernoch erste Bürgerpflicht zu sein scheint oder das unverblümte senden irgendwelcher Promoclips, die praktischerweise vom Verleih auch gleich geschnitten angeliefert werden und mit Filmjournalismus so viel zu tun haben, wie Uwe Boll mit guten Filmen.

Das wollen wir ändern, deswegen haben wir diese feine, kleine Sendung gemacht. Hier der Trailer:

[VimeoDirektTrailer]

Und nun kommt ihr ins Spiel: Die Sendung läuft im Rahmen des “TV Lab” auf ZDF neo. Dabei handelt es sich um eine AKtion, in der in einer Woche 10 neue Sendungen vorgestellt werden und die Zuschauer dürfen dann ONLINE ABSTIMMEN, welche dieser Shows in Serie gehen soll. Nur um das nochmal kurz zu verdeutlichen: Die Zuschauer dürfen ONLINE ABSTIMMEN, das Moviacs in Serie gehen soll. :)

Im Ernst: Ich fände es ganz wundervoll und großartig, wenn ihr für unsere Sendung stimmen würdet. Wir wollen euch sagen was wir geil finden, wir wollen euch sagen was wir scheisse finden. Und als Filmfreund bleibe ich euch natürlich auch weiterhin erhalten (vielleicht kriegen wir ja sogar mal Batz oder direkt alle anderen Vier ins Studio eingeladen :)). Aber lasst uns dafür sorgen, das cooles Nerdtum und klare Haltung in Bezug auf Filme wieder ein Zuhause im deutschen TV finden.

Bitte stimmt für mich, bitte stimmt für uns, bitte stimmt für MOVIACS.

Ab heute kann man voten (nach einer sehr kurzen und schnellen Registrierung).

Ich danke euch allen sehr!

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Seine Worte, die sicher nicht nur für Disney-Philosophie stehen und wohl von anderen Studios ähnlich gesehen werden, klingen dennoch ernüchternd und deprimierend. Gerade weil sie aus Richtung eines Studios kommen, das sich immer wieder die Wichtigkeit der Story auf die Fahnen geschrieben hatte.

Billy Wilder sagte einst: ““There are three things you need to make a good movie; a good script, a good script and a good script.”

Hendrickson widerspricht Wilder deutlich:

“People say ‘It’s all about the story,’ When you’re making tentpole films, bullshit.” Hendrickson showed a chart of the top 12 all-time domestic grossers, and noted every one is a spectacle film. Of his own studio’s “Alice in Wonderland,” which is on the list, he said: “The story isn’t very good, but visual spectacle brought people in droves. And Johnny Depp didn’t hurt.”

Visual spectacle, he said, drives attendance in a film’s first few weekends. And unlike years past when a movie like “The Lion King” might stay in theaters as long as a year, almost all movies are out of theaters quickly now. “Once you’re out of theaters your maximum profit potential is over,” he said.

Und irgendwie musste ich gerade an mein Interview mit Jon Favreau zu Cowboys & Aliens denken, bei dem ich ihn fragte, ob es auch an der politischen Lage läge, dass Filme mit bösartigen Alien-Invasoren gerade wieder Konjunktur haben. Seine Antwort war sinngemäss: “Heutzutage werden Filme weltweit vermarktet und man muss aufpassen niemandem auf die Füsse zu treten, deswegen sind Aliens tolle Schurken, weil die jeder hassen kann ohne dass sich irgendjemand beleidigt fühlt.”

Marketing 10 Punkte. Drehbuch: 0

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Ahhhh Serien. In Zeiten in denen Event-Filme immer ereignisloser und enttäuschender werden, bieten Serie willkommene Abwechselung und wohlige Heimat in unruhigen Zeiten. Denn auch wenn TV-Produktionen mittlerweile durchaus aufwendig produziert werden, haben sie doch nie das Budget eines Blockbusters und müssen sich deswegen notgedrungen auf altmodische Tugenden beschränken: Gute Schauspieler, packende Dialoge und… Stories.

Zeit also mal wieder einen Blick von der Leinwand auf den kleinen Bildschirm zu werfen. Einzutauchen ins Serienfieber.

V – USA 2009
3 out of 5 stars

Ausserirdische Echsenwesen, die sich als Menschen tarnen kommen angeblich in Frieden. Dank gelungener PR-Maßnahmen glaubt ihnen die Menschheit auch, wäre da nicht eine kleine Gruppe Widerständler, die sich nicht auf die Heilsbotschaften der Visitors einlassen wollen.

Der Reboot des SciFi-Klassikers aus den 80ern versucht wie sein Vorgänger politische Motive und Massenmanipulation als zentrale Themen neben der Action zu etablieren. Waren die V’s damals als eindeutige Nazi-Metapher zu lesen, die Hitlerjugend-ähnliche Organisationen aufbaute, ist die Message diesmal weniger eindeutig und kann sowohl als simplifizierte Warnung vor der Macht der Massenmedien, wie auch als Anti-Obama-Agenda gelesen werden, wenn die Ausserirdischen Schurken mit Global Health-Care locken, in Wirklichkeit aber die Freiheit der guten, gläubigen Amerikaner bedrohen.

Das wäre vielleicht bedenklich, wäre die ganze Serie nicht ein insgesamt eher harmloses, oftmals beeindruckend käsig-getrickstes Trashfest, das mit so platten Figuren aufwartet, dass jegliche politischen Botschaften letztlich doch im B-Movie-Plot untergehen. Nach zwei Staffeln, die leider auch recht viel Leerlauf bieten, bleibt aber doch eine gewisse Faszination für den Kampf der Rebellen gegen die V’s – was nicht zuletzt an den sympathischen Darstellern liegt – auch wenn sich nie ganz der grimmige Unterton der originalen Mini-Serie einstellen will.

Falling Skies – USA 2011
3 out of 5 stars

Ausserirdische Wesen haben die Erde im Handstreich übernommen. Nur noch wenige Überlebende ziehen unter dem Schutz der letzten Militäreinheiten durch die Lande und versuchen verzweifelt zu überleben und eine Schwachstelle ihrer grotesken Besatzer zu finden…

Spielberg kann trotz vieler Flops nicht vom TV lassen. Seine Variante der ausserirdischen Invasion kommt nicht übermässig Original daher und erinnert an eine Mischung aus V, Battlestar Galactica, seinem eigenen War of the Worlds und Aliens die direkt District 9 entstiegen sind. Statt auf Massenverführung setzen die tricktechnisch beeindruckend inszenierten Aliens hier allerdings eher auf Massenvernichtung und so spielt der Großteil der Handlung in Ruinen und heruntergekommenen Fabrikhallen und ähnlichem. Statt auf Spaß setzen die Macher auf düstere Endzeitstimmung, die sich leider ein bißchen sehr ernst nimmt und die Serie insgesamt weniger unterhaltsam als V macht. Der Konflikt Zivilisten-Militär wurde in Galactica schon ziemlich zu Tode diskutiert und bisher hat Falling Skies dem nicht wirklich viel hinzuzufügen und leider sind auch die Schauspieler der Hauptrollen eher aus dem Fundus einer Direct-to-Video-Produktion zusammengeklaubt und erreichen nicht das Niveau der Kampfstern-Crew.

Auch die Stories hauen bisher noch nicht so recht um, auch wenn der durchgehende Subplot – die Befreiung der durch die Aliens versklavten Jugendlichen – durchaus Potential hat. Dennoch dominiert bisher das Mission-of-the-Week-Konzept, das einer raschen Progression im Wege steht und auch wenn erst wenige Folgen ausgestrahlt wurden, beginnt sich – trotz einiger netter Actionszenen und toll animierter Kampfroboter und Aliens – eine gewisse Redundanz einzustellen. Aber warten wir mal ab, noch hat die Serie alle Chancen sich zu entwickeln…

Louie – USA 2011
4 out of 5 stars

Louis C.K. spielt sich selbst – zumindest eine Variante seiner selbst, die Louie heisst. Zwischen Stand-Up-Auftritten und Midlife-Crisis, Vaterschaft und Geldsorgen übersteht er wie wir alle irgendwie sein Leben.

Louis C.K. ist großartig und einer der besten derzeitigen Stand-up-Comedians, dessen Humor deshalb so bitter ist, weil er hauptsächlich auf sich selbst zielt. In seiner Depredy-Serie stehen diese Auftritte in denen er sein eigenes Leben schonungslos seziert, neben Stories aus seinem Alltag, in dem er mit den ganz kleinen, ganz normalen Alltagssituationen zu kämpfen hat. Ob sich die verhasste Mutter als Lesbe outet, die dauerdepressive Schwester heulend anruft oder Louie einfach nur versucht als Wochenend-Vater im Umgang mit der Tochter alles richtig zu machen: Immer sind die Szenen so real, so hart ausgespielt, das es oft schwerfällt hinzusehen. Zwischend Fremdscham, Trauer und verzweifelten Lachen pendelt diese Serie die in ihren komprimierten Vignetten soviel wahres Gefühl einfängt, dass es schwer fällt sie noch im Comedy-Bereich neben dämlichen Sitcoms anzusiedeln.

Silk – UK 2011
3.5 out of 5 stars

Eine Gruppe Anwälte die alle nur das eine wollen: Silk, die seidenen Roben die mit dem Titel “Queens Counsel” verbunden sind, dem höchsten anwaltlichen Titel im Vereinigten Königreich. Natürlich kann nicht jeder den Titel erlangen und so bekriegen sich die Anwälte der Kanzlei, während sie nebenbei private Affären und ihre Fälle durchkämpfen.

Silk ist die mittlerweile vierte Anwalts-Serie von Peter Moffat, der selbst als Rechtsanwalt Erfahrungen sammeln durfte, ehe er sich aufs Schreiben verlegte. Er beherrscht sein Metier und kann sich, obwohl die Serie nur solide Gerichts-Unterhaltung liefert, auf seine überzeugende Besetzung verlassen, die in all ihrer moralischen Ambivalenz überzeugt und mitreisst. Die aktuellen Themen der Fälle bieten dabei einen wohltuenden Kontrapunkt zu den persönlichen Kämpfen der Anwälte und den politischen Schiebereien in der Kanzlei. Für Fans des Genres, auch dank dem üblichen britischen Understatement und dem im Vergleich zu US-Serien rauerem Stil, eine Anschauempfehlung.

Teen Wolf – USA 2011
3.5 out of 5 stars

Scott McCall ist ein durchschnittlicher High-School-Typ, der eine ungewollte Veränderung durchmacht, nachdem er von einem Werwolf gebissen wurde. Zusammen mit seinem Freund Stiles versucht Scott seine animalischen Ausbrüche im Zaun zu halten, ein halbwegs normales Leben zu führen und rauszukriegen, wer ihm den ganzen Schlamassel eingebrockt hat.

Okay ich hab auch erst gedacht: Das kann nicht euer ernst sein. Vor allem nachdem MTV die US-Adaption der genialen UK-Serie Skins so völlig in den Sand gesetzt hatte, waren meine Erwartungen an Teen Wolf nicht wirklich hoch. Und überhaupt: Wie sollte aus einem käsigen 80er Klamaukfilm, dessen übler Fortsetzung und der noch viel schlimmeren Cartoon-Serie etwas ansehbares entstehen? Doch die Überraschung ist gelungen: Teen Wolf ist eine ansehbare und überaus unterhaltsame Serie, die sich deutlich mehr an Buffy, als am alten Film orientiert, von dem sie zwar einige Grundelemente übernimmt, sie aber in eine ganz andere Richtung dreht.

Der Humor ist düsterer und ironischer, die Action und Gewalt ist härter und die Schauspieler sind gar nicht mal so schlecht. Klar, die Werwolftricks sind eher recht digital und nicht überragend, werden aber effektiv genug inszeniert das in den unheimlichen Szenen genug Spannung aufkommt. Dazu entwickelt die Serie eine schicke eigene Mythologie, die sich nie ganz ernst nimmt, aber auch Meilen entfernt ist vom Klamauk des Films. Zudem wimmelt es von Verweisen auf andere Werwolf-Filme von The Howling bis zu Pakt der Wölfe. Doch Teen Wolf macht Spaß und findet bislang eine gute Ballance zwischen leichtem Grusel, Spannung, Mystery und der unvermeidlichen Romantik. Kein Überknaller aber solides Serienfutter für Freunde des Übernatürlichen.

Modern Family – USA 2009
3.5 out of 5 stars

Drei Familien: Der Familienpatriarch gespielt von Ed O’Neil, der eine viel jüngere Frau mit Kind geheiratet hat, seine Tochter mit ihrem Mann und Kindern, sowie sein schwuler Sohn mit seinem Lebensgefährten und der frisch adoptierten Tochter. Moderne Familien und ihre Probleme.

Natürlich ist es befriedigend zu sehen, dass Ed O’Neil nach verschiedenen Anläufen jetzt eine Serie gefunden hat, die ihn wohl dauerhaft zu mehr als nur “Al Bundy” machen wird. Doch die Serie und ihren liebenswerten Witz nur auf ihn zu beschränken wäre ungereicht, denn in Modern Family spielt ein wunderbares Ensemble. Irgendwo zwischen Drama und Sitcom lebt die Serie von ihren Figuren und Dialogen, die natürlich gewisse Probleme auch mit didaktischem Impetus behandelt, dabei aber immer selbstironisch leichtfüssig bleibt und nie in moralin-sauren After-School-Special-Tonfall verfällt, den andere Serien mitunter drauf haben. Zwar ist Modern Family im Vergleich zu “United States of Tara” immer noch ein dramatisches Leichtgewicht, bietet aber fluffige Unterhaltung mit gewitzten Dialogen, die wirklich Spaß machen.

Come Fly with me – UK 2011
3.5 out of 5 stars

Mockumentary über einen britischen Flughafen und die unterschiedlichen Menschen die dort arbeiten, von den Check-Inn-Stewardessen über den Besitzer einer Billig-Airline bis zum Flugbegleiter und dauergenervten Touristen.

Nach dem Vorbild echter Airport-Reportage-Serien nehmen sich Matt Lucas und David Walliams diesmal die Reiseindustrie vor. Das Konzept ist dabei ihrem Erfolg Little Britain sehr ähnlich: Von einer Off-Stimme anmoderiert erleben wir unterschiedliche Charaktere, alle von Lucas und Walliams gespielt, die ihre wiederkehrenden Marotten präsentieren. Man könnte auch sagen, das ganze sei Little Britain am Flughafen mit neuen Figuren und ohne die süffisante Erzählstimme von Tom Baker.

Die Gags und abstrusen Make-Ups der beiden treffen dabei nicht immer ins Schwarze und nicht ganz zu unrecht fühlten sich diverse Minoritäten von den rassistischen Klischeefiguren verunglimpft, dennoch haben die beiden ein Talent dafür ihre Figuren, so nervig sie auch sind, nie völlig unsympathisch werden zu lassen. Selbst die furchtbarsten Kreaturen besitzen genug naive Unschuld, dass man ihnen ihre furchtbaren Verhaltensweisen verzeihen möchte und wissen will, was sie das nächste Mal anstellen. Und für Fans von Little Britain wird wohl eh kein Weg an der Serie vorbeiführen.

School of Comedy – USA 2008-2010
4.5 out of 5 stars

Eine Sketch-Show für Erwachsene in der Kinder Erwachsenen-Rollen spielen und dabei kein Blatt vor den Mund nehmen.

Die aus einem Theater-Projekt entstandene Comedy-Truppe School of Comedy schafft was viele andere Comedy-Shows nicht schaffen: Sie ist tatsächlich witzig. Die Jugendlichen zwischen 12 und 17 bewiesen dabei einen Sinn für Timing und skurrile Figuren, der manch erwachsenem Comedian zu wünschen wäre. Shooting-Star der Serie ist dabei zweifellos Will Poulter, der durch “Son of Rambow” und den letzten Narnia-Film auch Kinozuschauern ein Begriff sein dürfte. Wie John Cleese spielt Poulter am besten absurde Authoritätsfiguren und Unsympathen, schafft es zwischendurch aber auch immer wieder absurd-dramatische Momente einzubauen. Ob als Showmaster, bösartiger Lehrer oder genervter Ehemann, Poulter setzt seine Pointen gekonnt und wird vom restlichen Ensemble des ebenfalls wirklich großartig ist trefflich unterstützt.

Booohooo cry my a fucking river!

Wall Street – Was Oliver Stone nicht erzählte

Twenty Twelve – UK 2011
4 out of 5 stars

Noch ein Jahr bis zur Olympiade in London und die Vorbereitungen laufen auf Hochtouren – die Mockumentary begleitet das Organisations-Team auf ihrem schwierigen Weg zwischen Bauproblemen und PR-Gaus.

Inspiriert von einer australischen Serie, liefert das britische Pendant einen ungemein spassigen, wie fiktiven Blick hinter die Kulissen eines Mega-Events. Klasse Schauspieler und einige echte Sportler und Funktionäre machen die Mockumentary auch für einen Sport-Hasser wie mich zu einem Vergnügen, denn wenn ausländische Delegationen dank schlechter Verkhersführung endlos durch London kutschiert werden, die beauftragte für die Nachnutzung bei Anfragen von einem Nervenzusammenbruch in den nächsten fällt und die von Jessica Stevens (of Spaced-Fame) grandios-zickige gespielte PR-Beauftragte weder Website noch Kunstausstellungen oder auch nur ein Logo hinbekommt, dann ist das so nahe an der Realität, dessen was man in London so bestaunen kann, dass man sich streckenweise fragt, ob die Doku nicht doch real ist.

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Ich sitze gerade seit geschlagenen fünf Minuten vor dem Bildschirm und denke darüber nach was ich über die letzten fünf Monate schreiben könnte. Es verging kein einziger Tag, an dem ich mich nicht mit diesem Projekt auseinandergesetzt habe, aber den Einstieg dazu zu finden, fällt mir gerade unglaublich schwer.

Gemeinsam mit Patrick Beser habe ich mich Ende letzten Jahres hingesetzt und überlegt wie wir das Studium und die letzten vier Jahre gebührend abschließen können. Da wir beide als Webdeveloper und Designer arbeiten, war klar, dass wir etwas vollkommen anderes machen wollten, als das, was wir künftig machen werden. Also musste ein Film her.

Aber einen Film zu drehen ist nicht so leicht. Das können andere weitaus besser als wir und letztendlich studieren wir beide Kommunikationsdesign und nicht Film. Und so beschlossen wir die letzten vier Jahre Revue passieren zu lassen und so viele Disziplinen des Kommunikationsdesigns anzureißen, wie wir nur konnten.

Herausgekommen ist eine Installation um einen 360°-Film, in Form einer “Jahrmarktattraktion”.


Ich reiße das Vorgehen erstmal nur an:
Anfangs hatten wir die Idee eine einzige Kamera und ein Objektiv zu verwenden, welches 360° aufnehmen kann. Allerdings stießen wir schon vorab auf die Grenze in Form von mangelnder Auflösung. Unser Büdget reichte höchstens für ein Objektiv, das einen Film ausgespuckt hätte, mit kaum mehr als 500 Pixeln Höhe.

Zwischendurch hielten wir es (für ca 2 Minuten) für eine ziemlich gute Idee sieben Webcams an eine handvoll Laptops anzuschließen, um eine Rundumansicht aufzunehmen. Kurz darauf die bessere Idee: Flip-Cams. Die kleinen, handlichen Kameras waren nicht nur einigermaßen bezahlbar, sondern lieferten auch die nötige Auflösung. Flip erklärte sich bereit uns drei Kameras beizusteuern, die wir kurzerhand “frisierten”. Um jeweils 60° abzudecken mussten wir nämlich Weitwinkelobjektive anbringen.

Nach ein paar Wochen konnten wir dann endlich die Dreharbeiten starten. Und wo wir nicht überall gedreht haben! In einem Krefelder Schwimmbad (Danke noch mal an Koziol für die freundliche Unterstützung in Form unserer Unterwasserkugel), in Stuttgart auf einer Loopingbahn, in einem verlassenen Kinderkrankenhaus und noch viele weiteres mehr, was wir nicht vorwegnehmen wollen.

Wer mehr erfahren möchte, kann die letzten Monate auf unserem WELTTRAUM-Logbuch nachlesen.

Die richtig fiese Arbeit begann aber erst nach Abschluss des letzten Drehtages. Jeder kleine Fortschritt wurde gefeiert, als wären wir gerade auf dem Mond gelandet! Die folgenden zwei Sekunden eines Teaser-Teasers haben wir wahrscheinlich selber öfter angeschaut, als alle anderen Besucher zusammen:

WELTTRAUM: Testcut

Den letzten Schliff am Film haben wir nun letzte Woche vollbracht. Herausgekommen ist ein Kurzfilm, der mithilfe der Installation eine intensive Immersion erzeugt. Momentan sitzen Patrick und ich an den letzten Baumaßnahmen, um das Flair einer Jahrmarktattraktion rüberzubringen und freuen uns darauf unser Werk der Öffentlichkeit preiszugeben.

WELTTRAUM: Trailer from Patrick Beser on Vimeo.

Zum ersten Mal öffnen wir am Mittwoch dem 20. Juli von 13:00 bis 17:00 die Pforten des WELTTRAUM-Instituts. Weiterhin am Donnerstag von 10:00 bis 18:00 und der Höhepunkt ist am Freitag dem 22. Juli von 10:00 bis 21:00, wenn die Werkschau der HTW-Berlin stattfindet (Wilhelminenhofstr. 75A). Dort gibt es dann nicht nur unsere Arbeit zu sehen, sondern Einblicke in die Arbeiten unserer Kommilitonen diverser Fachrichtungen (was freue ich mich auf Gamesdesign!). Außerdem verlosen wir dort eine der Kameras, es gibt Süßigkeiten, Popcorn und Luftballons!!!!!11!!!elf!

So, ist gut jetzt. Es gibt noch viel zu tun und viel zu wenig Zeit. Wenn ihr es nicht wenigstens zu einem der drei Termine schafft, dann drückt uns wenigstens die Daumen für den kommenden Montag, wenn wir unser Projekt vor einem gremium verteidigen.

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Manchmal braucht man weder Kritiken zu lesen, noch Freunde zu fragen um zu wissen, dass es sich nicht lohnt einen bestimmten Film zu sehen. Als praktischer Hinweis und Pocket-Guide, sind hier elf Hinweise, dass es sich bei Film um ganz großen Mist handelt. Und damit meine ich nicht Regie by Alan Smithee oder “Der Star trek Film hat eine ungerade Nummer”. Warum 11 Gründe? Weil es genau ein Grund mehr ist als 10!

1) Das Poster wirbt nicht mit dem Namen eines Stars, Regisseurs, Produzenten sondern nur mit “von den Produzenten von…”

2) Ein schwarzer Comedian spielt mehrere Figuren und/oder irgendeine extrem übergewichtige Frau

3) Es ist ein “anspruchsvoller Film”, der mit Kritiken aus der BILD, Brigitte und Focus beworben wird und von dem auch deine Tante schon gehört hat, die zuletzt bei “Jenseits von Afrika” im Kino war.

4) Der Film wird als Skandal-Film promotet, der das US-Publikum durch seine sexuelle Freizügigkeit schockt

5) Der Film ist ein neues Selzer/Friedberg-Projekt

6) Auf dem DVD-Cover stehen hinter den Namen der unbekannten Schauspielern in Klammern mehrere Filme die ebenfalls kaum jemand kennt und in denen die “Stars” auch bestenfalls Dekocharakter hatten

7) Die Werbung des Films zeigt Interviews mit begeisterten Zuschauern oder Bilder von kreischendem Publikum im Kino

8) Ein Rapper spielt eine Haupt- oder Nebenrolle

9) Es ist eine familienfreundliche Komödie mit einem einst guten Stand-Up-Comedian in der es um Verwechslung, Kinder oder Heiraten geht

10) Der Drehbuch-Credit enthält mehr als drei Namen

11) Die Synopsis enthält den Satz “…the inspiring story of…”

Soviel von mir, bin gespannt welche Gründe ihr noch ergänzen könnt.

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AICN hat ein großartiges Interview mit Steven Spielberg, vor allem geht es um „Jaws“ anlässlich der bald kommenden Blue Ray. Meine Lieblingsstelle ist ihre Unterhaltung über Quints Indianapolis-Rede, meine Lieblingsszene aus „Der weiße Hai“ (Video oben), die im ersten Take deshalb versaut wurde, weil Robert Shaw auf die großartige Idee kam, vorher mehr als einen Drink zu sich zu nehmen, wegen Authentizität und sowas. Tolle Anekdote! Und man spürt im Interview tatsächlich, dass sich hier vor allem zwei Fans unterhalten. Sehr schön!

Quint: I’ve read that this is one of your favorite scenes in Jaws… The Indianapolis Speech in Jaws floors me every single time I watch the movie. If I even hear Robert Shaw start that speech I’m zoned in and nothing else exists in the universe, you know? So, do you remember shooting that scene? What was the vibe on the set? Was it weighty?

Steven Spielberg: We shot it twice. The first time we attempted to shoot it Robert came over to me and said, “You know, Steven, all three of these characters have been drinking and I think I could do a much better job in this speech if you let me actually have a few drinks before I do the speech.” And I unwisely gave him permission.

He went into the Whitefoot, which was a big sort of support boat that we always took our lunch breaks on and all the bathrooms were on that boat, it was a big tug boat, and he went into the hold with my script girl Charlsie Bryant and I guess he had more than a few drinks because two crew members actually had to carry him onto the Orca and help him into his chair. I had two cameras on the scene and we never got through the scene, he was just too far gone. So, I wrapped the company at about 11 o’clock in the morning and Robert was taken back to his house on Martha’s Vineyard.

At about 2 o’clock in the morning my phone rings and it’s Robert. He had a complete blackout and had no memory of what had gone down that day. He said, “Steven, tell me I didn’t embarrass you.” He was very sweet, but he was panic-stricken. He said, “Steven, please tell me I didn’t embarrass you. What happened? Are you going to give me a chance to do it again?” I said, “Yes, the second you’re ready we’ll do it again.”

The next morning he came to the set, he was ready at 7:30 out of make-up and it was like watching Olivier on stage. We did it in probably four takes.

Steven Spielberg and Quint have an epic chat all about JAWS as it approaches its 36th Anniversary!

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Mein letzter Creative-Praktikant Paul hat ja nicht nur bei moviepilot gute Arbeit geleistet, sondern ist generell ein sehr umtriebiges Kerlchen. Nachdem er den ersten deutschen 3D-Kurz-Film “Topper gibt nicht auf!” produziert hat, ist er jetzt schon wieder mitten in der Postproduktion des nächsten Werkes, das auf einer Kurzgeschichte von Stephen King basiert. King hat ja schon in den 80ern das Dollar-Baby-Programm gestartet, das es jungen Filmemachern erlaubt für den symbolischen Preis von einem Dollar die Verfilmungsrechte an einer Kurzgeschichte von ihm zu erwerben. Einer der ersten die dies nutzten und etwas draus gemacht haben war damals Frank Darabont, der sich mit “The Women in the Room” die ersten Meriten auf dem Weg zur Hollywood-Karriere verdiente und später mit “The Shawshank Redemption”, “The Green Mile” und “The Mist” zeigte, das er King auch auf Spielfilmlänge umsetzen kann.

Mit “RestStop” (aus der Anthologie Sunset) entsteht nun auch in Deutschland ein solches Dollar Baby, das als Film dann “You missed Sonja” heißen wird. Und dafür wird eure Hilfe benötigt, aber dazu weiter unten mehr: Zunächst mal die Handlung:

Der Thriller-Schriftsteller Rick Hardin kommt nachts an eine einsame Tankstelle, weil er dringend auf Toilette muss. Aus der Damentoilette hört er, wie ein Mann seine hochschwangere Frau aus Eifersucht zusammenschlägt. Rick weiß sich in dieser Situation nicht so richtig zu helfen. Soll er Hilfe holen? Soll er selber helfen? Soll er einfach abhauen? Er entschließt sich, den Mann aus der Toilette zu locken, ihn zu überwältigen und der armen Frau zu helfen. Doch diese scheint sich nicht helfen lassen zu wollen. Nach dieser Nacht wird sich Rick wünschen, nicht Halt gemacht zu haben. Eine spannende Horrorgeschichte mit tief sitzenden thematischen Wurzeln um Zivilcourage und Selbstüberschätzung. Wir durften einen ersten kurzen Teaser sehen, der sehr eindrucksvoll war und die Erwartungen hoch ansetzen. Bei Nacht an einer einsamen Tankstelle im strömenden Regen. Das geht an die Substanz.

Der Horrorthriller von knapp 20min Länge wurde im September 2010 in Brandenburg gedreht. Im Juni 2011 werden einige weitere kleine Dreharbeiten (u.a. ein halsbrecherischer Autostunt) anstehen und der Film dann aller Voraussicht nach im Herbst 2011 weltweit auf Festivals zu sehen sein. Zumindest wenn es nach Paul geht, der wieder als Produzent dabei ist.

Doch wie es nunmal so ist: Studentische Filme sind immer harte Produktionen. Es steht kaum Geld zur Verfügung, alle arbeiten für lau, die Drehnächte sind lang und anstrengend. Und dann auch noch ein blutiger Genrefilm. Das sehen Filmhochschulen immer ein wenig ungern.

Werdet Teil des Films und landet im Abspann

An dieser Stelle seid nun ihr gefragt, das Projekt zu unterstützen, damit die letzten Hürden zum Finish auch noch genommen werden können. Daher rufen ich euch auf, für den Film zu spenden. Es muss nicht viel sein. Zwei Euro reichen schon aus, um den Jungs und Mädels unter die Arme zu greifen. Mit eurer kleinen Spende könnt ihr euren Namen im Abspann eines bisher nie da gewesenen Film verewigen.

Alles, was ihr dazu tun müsst, ist auf der offiziellen Webseite des Films unter Spenden einen Betrag eurer Wahl spenden. Dieses geht direkt auf das Filmkonto und Paul und Co. können Mitte Juni damit weiter arbeiten.

Und ich guck mir dann mal an, was sie da auf die Beine stellen.

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Althen schrieb u.a. für die Sueddeutsche Zeitung, Die Zeit, steadycam und den Spiegel, er führte Regie bei “Das Kino bittet zu Tisch – Essen im Film” für den WDR oder gemeinsam mit Hans Helmut Prinzler bei der Dokumentation “Auge in Auge – Eine deutsche Filmgeschichte”. Er war außerdem Autor zahlreicher Sachbücher und Essays, für seine Arbeit mit Dominik Graf, “Denk ich an Deutschland – Das Wispern im Berg der Dinge”, erhielt er 1999 zum zweiten Mal den Adolf-Grimme-Preis. Dieses hochinteressante Videointerview gibt einen Einblick in Althens Wissen und Wissbegierigkeit.

Mit ihm verliert die deutsche Filmkritik eine ihrer Institutionen.

(via / via)
(Nachruf der SZ)

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Ich liebe die Looney Tunes schon seit den Zeiten, als sie noch im ZDF liefen und Gerd Vesperman Bugs mit “Meinereiner” reden ließ. Looney Tunes sind einfach das was ich von Cartoonfiguren erwarte, over the top action, smarte Dialoge, Anspielungen, Satire und inspirierte Albernheit. Das boten die alten Kurzfilme, die Ableger Tiny Toons und selbst die Filme, auch wenn Space Jam nach wie vor ein ziemlicher Ausfall ist. Darum find ich es generell eine schöne Idee die Looney Tunes zu reaktivieren, doch wer bei Warner hat bitte die Idee gehabt aus den durchgeknallten Anarchisten für ihre neue Cartoon Network Serie “The Looney Tunes Show” schnarchlangweilige Sitcom-Figuren zu machen?

Bugs und Daffy wohnen anscheinen als schwules Pärchen oder Neuauflage vom Odd Couple zusammen, nerven sich und beschliessen an einer Quiz-Show teilzunehmen und alles, aber auch wirklich alles sieht zum einen sparsam animiert, zum anderen extrem langweilig aus. Da ist kein Hauch von Chuck Jones, kein Fritz Freleng oder Tex Avery mehr zu spüren (deren Einfluss bei vielen Folgen der Tiny Toons, Animaniacs und Pinky and the Brain durchschimmerte), sondern eher die lahmen Scherze einer Cosby Show oder Two and a Half Men. Zahme Witze, keine Gewalt, nur Toons ohne Looney. Selbst die Voice Talents wirken (auch wenn es langjährige Toons-Stimmen sind) irgendwie uninspiriert und treffen nicht immer die Essenz der Charaktere, die durch das komische neue Design auch insgesamt etwas weniger agil und spiessiger wirken.

Für manche Cartoon-Charaktere mag auch diese Limited Animation funktionieren, aber die Looney Tunes gehören nicht dazu, denn sie waren immer in Ganzkörper-Action – hier wirken sie wie Flash-Animationen die möglichst wenig Mühe machen sollten. Ganz zu schweigen davon, das sie einfach auch nicht mehr sie selbst sind. Bugs ist kein intelligenter Smartass mehr, mit trockenem Humor und hinterfotziger Bösartigkeit sondern nur noch der langweilige Normale. Duffy ist auch keine cholerische Ente der aber dennoch eine gewisse Smartness besitzt, sondern der liebenswerte Trottel, der nichts versteht und nichts gebacken bekomt. Und natürlich sind sie auch keine Rivalen mehr sondern versichern sich das sie sich ganz doll mögen.

Wie ein US-Kollege sagte: Duffys Catchphrase “Your despicable!” ist hier nicht zu hören. Die Simpsons funktionieren als animierte Sitcom wunderbar, aber die waren auch nie als etwas anderes konzipiert. Die Looney Tunes ins enge Korsett von Live Action TV zu zwängen ist als würd man eine Porsche als Smart-Ersatz nutzen.

That’s all, Folks? Für mich wahrscheinlich schon.

PS: Die komischen 3D Road Runner-Filmchen die aussehen wie PS2-Zwischensequenzen sind btw. auch Teil der Serie.

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Lumet arbeitete während seiner über 50jährigen Karriere mit zahlreichen hochkarätigen Größen des US-Kinos. Er galt als Schauspieler-Regisseur, insgesamt 18 mal wurden DarstellerInnen seiner Filme für den Oscar nominiert. Lumet selbst gewann die Trophäe für keine seiner Arbeiten, erst 2005 erhielt er einen Ehren-Oscar für sein Lebenswerk – und befindet sich damit in guter Gesellschaft. Mit dem Noir-Familiendrama “Tödliche Entscheidung” (Before the Devil Knows You’re Dead) inszenierte der Regisseur vor vier Jahren seinen letzten Film, von der Kritik gefeiert, vom Publikum weitgehend ignoriert.

Mein persönlicher Lieblingsfilm von Sidney Lumet heißt “Die Flucht ins Ungewisse” (Running on Empty), ein eher wenig bekanntes, wahrlich meisterhaftes Politdrama aus dem Jahr 1987. River Phoenix spielt darin die beste Rolle seiner Karriere, Judd Hirsch und Martha Plimpton stehen ihm in nichts nach. Es ist ein Film, in dem jede Figur auf ihre Weise Abschied nehmen muss. Vielleicht werde ich ihn mir die Tage wieder einmal ansehen.

Leben Sie wohl, Sidney Lumet.

(via)

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Andreas Deja Direkt Interview

Ach ja, wie ihr die Zeichnung gewinnen könnt erfahrt ihr HIER

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Laut dem Hollywood Reporter wurde eins der größten Geheimnisse des modernen Kinos gelöst: Seit Jahren geistert die Frage herum, ob Donald Sutherland beim Dreh der Sexszene aus „Don’t look now“ (Wenn die Gondeln Trauer tragen) tatsächlich Geschlechtsverkehr mit Julie Christie hatte.

In einem neuen Buch von Peter Bart, damals ein hohes Tier bei Paramount, behauptet dieser nun, bei einem Besuch am Set zu genau dem Zeitpunkt des Drehs, genau gesehen zu haben, wie Sutherland seinen Penis in die Christie steckte. Sutherland hat schon dementiert und das Geheimnis bleibt weiterhin zwischen Donald und Julie, wo es hingehört.

In the book, Bart tells a funny, profane, revealing anecdote about visiting the Venice set on that “auspicious day.” At the time, Bart was a Paramount executive and, according to the new book, Roeg told him as he arrived on set, “Good day to come by.”

While he was watching the filming, Bart claims his mind drifted off for a few moments to other logistics of his trip before suddenly focusing back on the actors, who were completely naked. And — apologies for the adult language, I’m quoting from the book — he writes, “It was clear to me they were no longer simply acting: they were fucking on camera.”

According to Bart, he then had the following whispered exchange with Roeg:

Bart: Nic. Don’t they expect you to say “cut?”

Roeg: I just want to be sure I have the coverage.

Bart: His dick is moving in and out of her. That’s beyond coverage.

So there you have it. It was the Seventies.

Forthcoming Peter Bart Book Purports to Answer Long-Simmering Question About Julie Christie Sex Scene (via Badass Digest)

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Sonntag gehts wieder los! Dann sind wir mit den Filmfreunden, moviepilot und Film-zeit.de wieder live im Oscar-Rausch. Wenn James Franco und Anne Hathaway moderieren und mit kleinen Goldstatuen um sich werfen, werden wir alles Live kommentieren. Und ja, ich hoffe es gibt einen Opening-Song!

Nach dem Klick gibts nochmal alle Nominierten im Überblick!

Bester Film
Black Swan
The Fighter
Inception
The Kids Are All Right
The King’s Speech
127 Hours
The Social Network
Toy Story 3
True Grit
Winter’s Bone

Beste Regie
Darren Aronofsky – Black Swan
David O. Russell – The Fighter
Tom Hooper – The King’s Speech
David Fincher – The Social Network
Joel Coen und Ethan Coen – True Grit

Bester Hauptdarsteller
Javier Bardem – Biutiful
Jeff Bridges – True Grit
Jesse Eisenberg – The Social Network
Colin Firth – The King’s Speech
James Franco – 127 Hours

Beste Hauptdarstellerin
Annette Bening – The Kids Are All Right
Nicole Kidman – Rabbit Hole
Jennifer Lawrence – Winter’s Bone
Natalie Portman – Black Swan
Michelle Williams – Blue Valentine

Bester Nebendarsteller
Christian Bale – The Fighter
John Hawkes – Winter’s Bone
Mark Ruffalo – The Kids Are All Right
Jeremy Renner – The Town – Stadt ohne Gnade
Geoffrey Rush – The King’s Speech

Beste Nebendarstellerin
Amy Adams – The Fighter
Helena Bonham Carter – The King’s Speech
Melissa Leo – The Fighter
Hailee Steinfeld – True Grit
Jacki Weaver – Königreich des Verbrechens

Bestes Originaldrehbuch
Another Year – Mike Leigh
The Fighter – Scott Silver and Paul Tamasy & Eric Johnson
Inception – Christopher Nolan
The Kids Are All Right – Lisa Cholodenko & Stuart Blumberg
The King’s Speech – David Seidler

Bestes adaptiertes Drehbuch
127 Hours – Danny Boyle & Simon Beaufoy
The Social Network – Aaron Sorkin
Toy Story 3 – Michael Arndt
True Grit – Joel Coen & Ethan Coen
Winter’s Bone – Debra Granik & Anne Rosellini

Bester Animationsfilm
Drachenzähmen leicht gemacht
The Illusionist
Toy Story 3

Bester fremdsprachiger Film
Biutiful (Mexiko)
Dogtooth (Griechenland)
In einer besseren Welt (Dänemark)
Die Frau die singt – Incendies (Kanada)
Outside the Law (Algerien)

Bester Dokumentarfilm
Banksy – Exit Through the Gift Shop
Gasland
Inside Job
Restrepo
Waste Land

Bestes Szenenbild
Alice im Wunderland – Robert Stromberg (Production Design), Karen O’Hara (Set Decoration)
HP 7: Harry Potter und die Heiligtümer des Todes 1 – Stuart Craig (Production Design), Stephenie McMillan (Set Decoration)
Inception – Guy Hendrix Dyas (Production Design), Larry Dias and Doug Mowat (Set Decoration)
The King’s Speech – Eve Stewart (Production Design), Judy Farr (Set Decoration)
True Grit – Jess Gonchor (Production Design), Nancy Haigh (Set Decoration)

Beste Kamera
Black Swan – Matthew Libatique
Inception – Wally Pfister
The King’s Speech – Danny Cohen
The Social Network – Jeff Cronenweth
True Grit – Roger Deakins

Bestes Kostümdesign
Alice im Wunderland – Colleen Atwood
I am Love – Antonella Cannarozzi
The King’s Speech – Jenny Beavan
The Tempest – Sandy Powell
True Grit – Mary Zophres

Bester Dokumentar-Kurzfilm
Killing in the Name – Nominees to be determined
Poster Girl – Nominees to be determined (A Portrayal Films Production)
Strangers No More – Karen Goodman and Kirk Simon (A Simon & Goodman Picture Company Production)
Sun Come Up – Jennifer Redfearn and Tim Metzger (A Sun Come Up Production)
The Warriors of Qiugang – Ruby Yang and Thomas Lennon (A Thomas Lennon Films Production)

Bester Schnitt
Black Swan – Andrew Weisblum
The Fighter – Pamela Martin
The King’s Speech – Tariq Anwar
127 Hours – Jon Harris
The Social Network – Angus Wall and Kirk Baxter

Bestes Make-Up
Barney’s Version – Adrien Morot
The Way Back – Edouard F. Henriques, Gregory Funk and Yolanda Toussieng
Wolfman – Rick Baker and Dave Elsey

Beste Filmmusik
Drachenzähmen leicht gemacht – John Powell
Inception – Hans Zimmer
The King’s Speech – Alexandre Desplat
127 Hours – A.R. Rahman
The Social Network – Trent Reznor and Atticus Ross

Bester Filmsong
“Coming Home” from Country Strong – Music and Lyric by Tom Douglas, Troy Verges and Hillary Lindsey
“I See the Light” from Rapunzel – Neu verföhnt – Music by Alan Menken Lyric by Glenn Slater
“If I Rise” from 127 Hours – Music by A.R. Rahman Lyric by Dido and Rollo Armstrong
“We Belong Together” from Toy Story 3 – Music and Lyric by Randy Newman

Bester animierter Kurzfilm
Day & Night – Teddy Newton
The Gruffalo – Jakob Schuh and Max Lang
Let’s Pollute – Geefwee Boedoe
The Lost Thing – Shaun Tan and Andrew Ruhemann
Madagascar, carnet de voyage (Madagascar, a Journey Diary) – Bastien Dubois

Bester Kurzfilm
The Confession – Tanel Toom
The Crush – Michael Creagh
God of Love – Luke Matheny
Na Wewe – Ivan Goldschmidt
Wish 143 – Ian Barnes and Samantha Waite

Bester Tonschnitt
Inception – Richard King
Toy Story 3 – Tom Myers and Michael Silvers
Tron Legacy – Gwendolyn Yates Whittle and Addison Teague
True Grit – Skip Lievsay and Craig Berkey
Unstoppable – Ausser Kontrolle – Mark P. Stoeckinger

Bester Ton
Inception – Lora Hirschberg, Gary A. Rizzo and Ed Novick
The King’s Speech – Paul Hamblin, Martin Jensen and John Midgley
Salt – Jeffrey J. Haboush, Greg P. Russell, Scott Millan and William Sarokin
The Social Network – Ren Klyce, David Parker, Michael Semanick and Mark Weingarten
True Grit – Skip Lievsay, Craig Berkey, Greg Orloff and Peter F. Kurland

Beste visuelle Effekte
Alice im Wunderland Ken Ralston, David Schaub, Carey Villegas and Sean Phillips
HP 7: Harry Potter und die Heiligtümer des Todes 1 – Tim Burke, John Richardson, Christian Manz and Nicolas Aithadi
Hereafter – Das Leben danach – Michael Owens, Bryan Grill, Stephan Trojanski and Joe Farrell
Inception – Paul Franklin, Chris Corbould, Andrew Lockley and Peter Bebb
Iron Man 2 – Janek Sirrs, Ben Snow, Ged Wright and Daniel Sudick

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Für alle, die es bisher nicht geschafft haben: Hier gibt es ein paar kleine Eindrücke des letzten Abends und der wirklich großartigen Location:

[edit: Weitere Bilder und verfängliches Videomaterial der ersten beiden Abende gibt es bei Sounds like me zu sehen!]

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“Mr. Hitchcock, wie haben Sie das gemacht?” gehört wohl zur Pflichtlektüre aller Filminteressierten. Das lange Gespräch zwischen Francois Truffaut und Suspense-Gott Alfred Hitchcock ist auch heute noch spannend, unterhaltsam und erhellend. Nachdem in den vergangenen Jahren immer wieder Teile des Audiomitschnitts, der damals im französischen Hörfunk lief, in Blogs erschienen, sind jetzt erstmals alle Folgen zum kostenlosen Download verfügbar.

In der Hitchcock-Wiki könnt ihr sie euch anhören und findet auch ansonsten alles über “Hitch” – und findet vielleicht gleich nochmal eine Grund euch die alten Filme mal wieder anzusehen, von denen einige inzwischen auf großartigen Blu-rays vorliegen.

Zur Hitchcock-Wiki

[via: moviepilot]

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Zieht Euch warm an, It’s going to be a bumpy ride! Und wir sind alle fünf mit dabei!

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Mit seinem James-Bond-Theme und den insgesamt 11 Musiken für die Bond-Filme hat der Brite Filmgeschichte geschrieben, er komponierte außerdem die berühmtesten Titelsongs der langlebigsten Kinoserie aller Zeiten, darunter “Goldfinger” (Shirley Bassey), “You Only Live Twice” (Nancy Sinatra) und “We Have All The Time In The World” (Louis Armstrong). Aber auch unzählige andere eingängige Melodien, komplexe Arrangements, meisterhafte Scores und Evergreens gehen auf sein Konto. Für seine Musiken zu “Born Free”, “The Lion in the Winter”, “Out of Africa” und “Dancing With Wolves” erhielt er insgesamt fünf Oscars.

Er schrieb berühmte Film-Scores für “Zulu”, “Midnight Cowboy”, “The Last Valley”, “King Kong” (1976), “The Deep”, “Starcrash”, “The Black Hole”, “Body Heat”, “The Cotton Club”, “Peggy Sue Got Married”, “Howard the Duck” und “Chaplin”, so wie er auch regelmäßig fürs Fernsehen arbeitete, wo er u.a. das TV-Thema für “The Persuaders” (Die Zwei) komponierte.

Barrys Einfluss auf die Filmmusik ist unschätzbar. R.I.P., John.

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Es gibt drei Überschneidungspunkte in meinem Leben, mit Bernd Eichinger.

Der Erste ist klar: Ich liebe Kino, ich liebe Filme und seitdem ich das tue, begleiten mich auch die Filme von Eichinger. Ich hatte als kleiner Junge Angst vor “Chriatiane F. – Wir Kinder vom Bahnhof Zoo”, weil mir das unheimlich war. Ich habe, wie jeder andere Junge auch, von einem Glücksdrachen wie Fuchur geträumt und vor allem diese Szene, in der Atreju vor diesem feuerblitzschiessenden Portal weghechtet, auf dem Spieplatz mit Freunden nachgespielt. Ich habe Nachmittags solche Filme wie “Kehraus” oder “Man spricht Deutsch” im Fernsehen gesehen und war direkt ganz begeistert, von der merkwürdigen Stimmung, die die hatten. Meine Geschwister schwärmten von “Der Name der Rose” während ich begeistert die Wiederholung vom “Formel Eins Film” guckte. Ich war drei oder viermal bei “Werner – Beinhart” im Kino (weil ich jung war und die Comics mochte und froh war, das das endlich verfilmt war und, das darf man nie vergessen, wir glücklich waren einmal anderen Zeichentrick als Disney-Schmonzetten sehen zu können…) und einmal in “Der bewegte Mann”. Ich musste im Nachhinein auf VHS feststellen, das “Voll Normaaal” charmanter war, als ich gedacht hatte und vor allem das “Abbuzze – Der Badesalz Film” ein Masterpiece war. “Fräulein Smillas Gespür für Schnee” hat mich total mitgenommen, aber “Der Campus” oder “666 – Trau keinen mit dem du schläfst” haben mich sehr gelangweilt. Der erste “Resident Evil” war fett, die Nachfolger waren eher geht so. Ich könnte ewig so weitermachen. Das Output von dem Mann ist unglaublich. Und es findet sich nicht ein Film dabei, den niemand nicht wenigstens gut findet. “Last Exit Brooklyn”, auch so ein Meisterwerk. Oh, ich fang schon wieder an.

Der Zweite ist ein bisschen persönlicher Natur: In meinem Bewerbungsschreiben für die Filmhochschule damals musste ich auch einen Fragebogen ausfüllen und in dem hiess es (wenn ich mich recht entsinne) mit welchen nationalen (und in der nächsten Frage dann auch internationalen) Leuten man gerne zusammenarbeiten würde, oder welche man gerne mal treffen würde. Ich habe tatsächlich damals Bernd Eichinger auf das Blatt geschrieben. Mit der Begründung, das er einfach der Produzent sei, der das “große Kino” hierzulande am besten verstanden hätte. Lustigerweise hatte ich dann während dem Studium einmal das Vergnügen, von der Constantin eingeladen worden zu sein, weil die einen Kurzfilm brauchten und von einem von mir gehört hatten. Ich durfte dann zu denen, natürlich nicht zu Eichinger. Da ging es eher um so eine schnelle Einkaufsgeschichte, Tagesgeschäft. Da hatte der ja nicht viel mit zu tun. Aber ich hatte trotzdem das Gefühl: “Ich bin ihm schon ein Stück näher gekommen.”:) Ach übrigens, falls es irgendwen interessiert: Die haben den nicht gekauft, das wusste ich aber schon vorher. Hat nicht gepasst. Aber ich hatte einen Fuss in der Tür. So etwas beflügelt.

Der Dritte Überschneidungspunkt ist eine schöne Anekdote, circa 9-10 Jahre her, von der ich mir nicht sicher bin, sie hier nicht schonmal erzählt zu haben, aber egal: Meine beste Freundin, mit der ich damals noch zusammen war, hat mal den bayrischen Filmpreis als beste Newcomerin (Chiara Schoras für “Vaya Con Dios”) bekommen. Wir sind da zusammen hingegangen und haben uns ehrlich gesagt gefreut, auch mal wieder ein bisschen Party machen zu können, denn das ganze war nicht lang nach der Geburt unserer kleinen Tochter. Im Hotel, dem bayerischen Hof, hatten wir eine Babysitterin. Zum ersten Mal. Komisches Gefühl, aber wir sind dann trotzdem los gegangen, Chiara, ihre Mutter und ich. Nach der Verleihung hat es die Mutter nicht mehr ausgehalten und ist zurück ins Hotel. Wir wollten aber noch richtig feiern, vor allem weil uns sämtliche Kollegen von Chiara gesagt haben, wir sollten in so ein Café nach Schwabing kommen, da wäre die klassische Constantin-Party vom Eichinger, das wäre immer das Beste am Filmpreis. Wir also mit dem Taxi hin. Vor der Tür war nicht viel los. Aber die Türsteher hielten uns auf. Ob wir denn eine Einladung hätten. “Nein, leider nicht. Aber das hier ist Chiara Schoras, die hat heute den Filmpreis gewonnen!” “Tut mir leid, da kann ich nichts machen. Ohne Einladung geht hier leider nichts.”, sagte der Mann an der Tür, tatsächlich empathischer, als man denken würde. Chiara war traurig. Da war der Abend hier also doch schon vorbei. Mit hängenden Schultern wollte sie ein Taxi rufen. Und dann ging alles recht schnell: Die Tür vom Café ging auf und raus kam Bernd Eichinger! Nur wenige Schritte und er sass schon in seiner, auf dem Bürgersteig geparkten, Limousine und sein Fahrer stieg gerade ein und wollte losfahren. Ich ging also zu dem Wagen hin und klopfte an Bernds verdunkelte Scheibe. Er liess sie hinunter und sah mich fragend an. “Bernd,”, sagte ich, “meine Freundin hat heute Abend den bayerischen Filmpreis gewonnen und wir dürfen nicht auf deine Party? Kann das sein?”
Er musterte mich. Dann sah er zur traurig lächelnden Chiara rüber. “Natürlich nicht.”, murmelte er, dann schaute er zur Tür des Cafés und dem Mann mit der Liste und rief ihm zu: “Hey, lass die Beiden mal rein, ist ok!” Ich war glücklich, Chiara war glücklich. “Danke!” rief ich der wieder hochfahrenden Scheibe zu und Bernd lächelte nur. Die Party war dadurch natürlich sehr schön. Auch wenn die Geschichte ein bisschen unspektakulär erscheinen mag, in dem Moment war das ein absoluter Segen für uns und ich wusste: Der Mann ist cool. Mit dem will ich mal zusammenarbeiten.

Das geht jetzt nicht mehr. Klar, Eichinger war eine streitbare Figur. Das wusste der auch und das wollte der auch. Aber der Mann war der Unterhaltungs-Chef Nummer Eins hierzulande und ich wüsste nicht, wer diese Lücke so schnell schliessen sollte. Denn, allen Mainstream-Unkenrufen zum Trotz: Er hat auch was gewagt. Und das machen die BWL-Taschenrechner-Produzentenbubis von heute eben nicht mehr. Da entstehen Filme nur noch am Rechenschieber. Und auch wenn Eichinger diese Disziplin erst perfektioniert hat, so hat er sich doch dazwischen immer kleine Schätzchen gegönnt, um eben nicht nur “Ballermann 6″ oder “Zeiten ändern sich” zu machen. Wahrscheinlich war das das Geheimnis seines Erfolgs: Der hat Filme einfach geliebt. Und davon gelebt.

Der Verlust von Bernd Eichinger für den deutschen Film ist enorm. Vor allem auch dadurch, das er so unvorbereitet geschah. Das Kino hierzulande wird sich nur schwer davon erholen. Danke Bernd, das du da warst und ziemlich doof von dir, so früh zu gehen. Aber gute Reise! Ich klopf dann so in 50-60 Jahren nochmal an und frag, ob ich auf deine Party darf.

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Anfang Oktober waren Renington, Manniac und ich in L.A. bei Digital Domain zu Besuch. Damals stand Tron:Legacy kurz vor der Fertigstellung und wir hatten Gelegenheiut uns mit den Machern zu unterhalten. Der Coolste von allen war Steven Lisberger, Regisseur des ersten Tron-Films, ein sympathischer Grummelbär, bei dem ich mir fast wünschte, er hätte auch bei der Fortsetzung Regie geführt :)

Das Review zu Tron:Legacy gibts pünktlich zum Start hier auf der Seite. Bis dahin hör ich noch ein paar mal den Daft Punk Soundtrack.

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